domingo, 24 de mayo de 2009

Selling England by the Pound (1973)


Sin duda, de lo mejorcito que Genesis ha sacado a la luz. Para mucha gente, es el mejor. Pero hay que reconocer, que "Nursery Crime", "Foxtrot" o "The Lamb Lies Down On Broadway" están en la retina de muchos otros. De lo que nadie duda, es de lo mucho que ésta formación ha supuesto a la música progresiva.
"Selling England By The Pound" cuenta con verdaderas joias, desde el principio hasta el final, como son la hermosa y crítica ‘Dancing with the moonlit knight’, la infravalorada y teatral ‘Battle of epping forest’, la eminencia instrumental de Banks ‘Cinema show’ y por encima de todas, la épica ‘Firth of Fifth’, uno de los clásicos indispensables de la banda. Hablar de Genesis se hace cada vez más difícil, debido a la cantidad de vueltas que ya se le ha dado, rozando peligrosamente, la saciedad... y es que sin duda, el nombre habla por sí solo. Que más se puede decir o hacer, sino caer de nuevo en las mismas alabanzas, que suenan a nostalgia (de los que lo han vivido). La verdad, es que tanta información satura a cualquiera... por una vez, es mejor dejar la literatura de lado, y escuchar un disco, para una vez más disfrutar.
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01. Dancing With the Moonlit Knight
02. I Know What I LIke (In Your Wardrobe)
03. Firth Of Fifth
04. More Fool Me
05. The Battle Of Epping Forest
06. After the Ordeal
07. Cinema Shaow
08. Aisle Of Plenty

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In and Out of Focus (1971)


De los grupos que combinaron elementos de rock y música clásica en la década de los años 70, FOCUS es sin duda el grupo holandés más destacado a nivel internacional. Su inventivo estilo musical, con un rock caracterizado por flautas, destacada guitarra y teclados, definió el sonido progresivo holandés. FOCUS tuvo sus comienzos en 1969 en Amsterdam, con la conjunción del Thijs Van Leer Trio y Jan Akkerman.Thijs van Leer, nacido en 1948 en Amsterdam, tuvo contacto con la música a muy temprana edad. Aprendió flauta guiado por su padre, un experimentado flautista clásico. Años más tarde completó su educación musical en el Conservatorio, donde además de faluta, estudió piano, órgano, composición y arreglo orquestal.Cuando aún asistía a la escuela, Van Leer formó su propio grupo de jazz, con él al piano, pero su primera incursión en el mundo comercial de la música fue en 1967 con Ramses Shaffy, un cantante a quien Van Leer acompañaba con flauta y voces en clubes nocturnos de Amsterdam. En 1969 Van Leer creó su trío, integrado por él (flauta, teclados, voz), Martijn Dresden (bajo) y Hans Cleuver (percusión), que acompañaba musicalmente a cantantes como Shaffy y Liesbeth List, y también interpretaba temas de grupos famosos, como Traffic o The Collectors, o bien temas propios compuestos por ellos; data de aquella época una versión rudimentaria de Anonymous. Pero fue el bajista Dresden, por medio de contactos que tenía su padre en el Conservatorio, el responsable de dos jugadas decisivas que cambiarían el rumbo del grupo. En primer lugar, Dresden se puso en contacto con Jubert Terheggen, de Radio Tele Music (RTM, perteneciente a Radio Luxemburgo), lo cual suscitaría interés en la música de Van Leer. En segundo lugar (y de fundamental importancia), Dresden invitó a un joven guitarrista (aunque ya conocido por el trío) a una sesión de improvisación en el Shaffy Theatre, donde ensayaban. Así entra Jan Akkerman en escena. Nacido en 1946 en Amsterdam, Akkerman comenzó a tocar la guitarra a los cinco años; su padre era guitarrista. También aprendió a tocar el acordeón, alentado por su madre. Añosmás tarde, Akkerman se volcó decididamente a la guitarra, aunque también aprendió teclados y saxo. Cursó sus estudios musicales en el Liceo de Música de Amsterdam durante cinco años, donde había ganado una beca. En su adolescencia sus intereses se volcaron al rock, y a temprana edad tocó en grupos como The Friendship Sextet, The Shaking Hearts, y Johnny and The Cellar Rockers (nombre que luego cambiaría a Johnny and The Hunters, y finalmente a The Hunters). En 1968, Akkerman fue contratado para tocar en la grabación del álbum del vocalista Kazimierz (Kaz) Lux, junto con Pierre van der Linden en percusión y André Reynen en bajo. Fue así como los cuatro formaron el grupo Brainbox, cuyo único álbum fue editado a fines de 1969.Debido a la participación de Akkerman con el Thijs van Leer Trio, el representante de Brainbox, John van Setten, despidió a Akkerman de Brainbox. Akkerman se integró al trío, y el cuarteto adoptó el nombre FOCUS.En 1970, FOCUS fue contratado para la interpretación musical de la obra Hair (muy representativa de su época) en Holanda, como miembros principales de una orquesta de nueve músicos. En el álbum de la versión holandesa de Hair se escucha a Van Leer, Dresden, Cleuver y Akkerman juntos por primera vez.Los cuatro músicos iniciaron una gira de seis meses, y ese mismo año grabaron su álbum debut titulado Focus Plays Focus, con pistas vocales e instrumentales; House Of The King (compuesto por Akkerman en España) y Anonymous son los temas más destacados. Sin embargo, se vendieron sólo 8.000 copias del álbum; técnicamente la calidad dejaba mucho que desear. Al principio se lanzó sólo en Holanda, pero dada la creciente popularidad del grupo, para darle mayor distribución el álbum fue reeditado en Londres ese mismo año con el título In And Out Of Focus, producido por Hubert Tereggen.House of The King fue un éxito y se mantuvo varias semanas en el ranking holandés. FOCUS aún no tenía bien definida su orientación musical, inclinada a veces hacia el estilo más clásico del Thijs van Leer Trio, y otras a la guitarra predominante de Akkerman.Al cabo de unos pocos meses, Akkerman se rehusó a seguir con Dresden y Cleuver, decidió llamar al percusionista Pierre van der Linden (con quien había tocado en Johnny and The Cellar Rockers, TheHunters y Brainbox) y dio a elegir a Van Leer entre seguir con ellos o quedarse con su trío; Van Leer optó por seguir con Akkerman y Van der Linden. También invitaron a Cyril Havermans como bajista y vocalista.Pierre van der Linden, nacido en 1946 en Amsterdam, comenzó con percusión desde muy pequeño; inicialmente fue autodidacta pero luego tuvo la guía de Louis De Heer, percusionista de la Orquesta Sinfónica de Ópera de Holanda. Sus primeras influencias fueron Miles Davies, Elvin Jones, Charlie Parker y John Coltrane, entre otros. Por su parte, Cyril Havermans había participado en Hair e integrado los grupos Big Wheel, The Heralds y Spatial Concepts. Fue convocado principalmente por su capacidadcomo vocalista y compositor, más que como bajista.
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Temas
1 Focus...(Vocal) 2:43
2 Black Beauty 3:08
3 Sugar Island 3:05
4 Anonymus 7:00
5 House of the King 2:24
6 Happy Nightmare (Mescaline) 3:58
7 Why Dream 3:59
8 Focus (Instrumental) 9:44
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martes, 19 de mayo de 2009

This Was (1968)


Es un álbum con marcados rasgos de blues y jazz, muy diferente a los siguientes álbumes de la banda.
A pesar de haber sido grabado con un presupuesto muy bajo (tan sólo 1200 £), en general recibió críticas favorables y tuvo un relativo éxito comercial.
El guitarrista, Mick Abrahams, dejó la banda poco después del lanzamiento del álbum en Estados Unidos por desavenencias con Ian Anderson sobre el estilo musical que debería seguir el grupo y sobre el liderazgo del mismo. Abrahams deseaba que Jethro Tull siguiera haciendo un tipo de música cercana al blues.
Este disco incluye la única canción de Jethro Tull que no está cantada por Ian Anderson, "Move On Alone", y que está interpretada por Mick Abrahams. Contiene una versión del tema jazzístico "Serenade to a Cuckoo", de Roland Kirk, músico cuya técnica de flauta (la denominada percusión de boca) influiría totalmente en el personal estilo de Anderson.
"Cat's Squirrel" sería más tarde interpretada por la banda que Mick Abrahams formaría después, llamada Blodwyn Pig.
La famosa portada del disco presenta a los miembros del grupo caracterizados como ancianos mendigos. Los Jethro Tull ofrecerían esta imagen durante los primeros años en sus conciertos en directo.
Como anécdota, el tema "Beggar's Farm" ("La granja del mendigo") se puede oír como fondo musical sobre el escenario en el reportaje filmado sobre el legendario concierto de Woodstock.
El título del álbum, This Was, se le ocurrió a Ian Anderson, y con él quiso declarar que el sonido de blues que presentaba el disco reflejaba sólo un estadio temporal de lo que iba a ser el futuro estilo de la banda.
En 1999, Mick Abrahams, que había formado con antiguos miembros de los Tull un grupo también denominado This Was, lanzó al mercado, This Is!, una nueva versión del álbum original de los Jethro Tull. El disco recibió duras críticas por parte de los seguidores de Jethro Tull, aunque recibió el apoyo del mismo Ian Anderson.
De estas tempranas fechas de 1968 podemos ver el primer videoclip de los Jethro Tull interpretando el tema A Song for Jeffrey dentro del espectáculo Rock And Roll Circus, de los Rolling Stones.
El guitarrista que vemos en el mismo es Tony Iommi, quien sustituyó a Mick Abrahams tras la marcha de éste, y, en los escasos diez días que permaneció en el grupo, pudo grabar dicho vídeo con la banda.
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1. My Sunday Feeling - 3:42
2. Some Day the Sun Won't Shine for You - 2:49
3. Beggar's Farm - 4:20
4. Move On Alone - 1:59
5. Serenade to a Cuckoo - 6:11
6. Dharma for One - 4:16
7. It's Breaking Me Up - 5:05
8. Cat's Squirrel - 5:44
9. A Song for Jeffrey - 3:23
10. Round - 0:49
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Banco del Mutuo Soccorso (1972)


Si existe un grupo italiano que es muy conocido a nivel internacional, después de Premiata Forneria Marconi (PFM), es Banco del Mutuo Soccorso (BMS) uno de los grupos fundamentales del Progresivo. Este grupo proveniente de la ciudad de Roma es de los mejores ejemplos del desarrollo del rock Progresivo italiano y también uno de los mejores grupos que hayan surgido del rock Progresivo mundial, su música es conmovedora y de delicado y fresco misticismo, así como de un cromatismo exacerbado. No hay duda de que la música de Banco tiene desarrollo muy clásico, temas profundos y con matices extraordinarios, y una extremada profesionalidad en los músicos que integran a este gran grupo y que son: Gianni Nocenzi .-clarinete, piano, Teclados, Flauta Piccolo , Vocales, Pier Luigi Calderoni .- Batería, Renato D'Angelo.- Bajo y Guitarra, Francesco Di Giacomo .- Vocales , Vittorio Nocenzi .- Órgano, Clarinete, Teclados, Vocales y Marcello Todaro .- guitarra, vocales, guitarrón.
Banco ha sido siempre un pilar del Progresivo en Italia , prácticamente se encontró presente en todos los festivales de rock Progresivo que se organizaron en principios de los 70’s como el Villa Pamplihi o el Caraccalla y al lado de los grandes grupos italianos de aquellos años como PFM, Osanna, New Trolls, Le Orme y Balleto di Bronzo, solo por nombrar algunos. Su sonido del grupo es muy característicos por el uso de doble teclado, cortesía de los hermanos Nocenzi, quienes estudiaron música clásica y es de notar ya que dominan a la perfección la técnica contrapuntística y los largos desarrollos armónicos, son músicos de espontaneidad fértil y conocimiento enciclopédico y sin duda de los mejores tecladistas que haya dado la música moderna.
Antes de pasar al análisis de la grabación que nos ocupa, quiero hacer mención del vocalista de este grupo Francesco Di Giacomo a quien considero una de las voces más características del rock italiano, su estilo de cantar es de los mejores que haya escuchado en toda mi vida, vocalista poderoso, con una voz privilegiada y que sabe transmitir el sentimiento que contiene la melodía, con ritmos desgarradores y al mismo tiempo melancólicos, un artista en constante evolución y que no sacrifica la arquitectura melódica y se afirma un temperamento tempestuoso y un maestro virtuoso en el arte de las vocalizaciones.
Es este su primer disco titulado del mismo modo que el grupo (BMS) y que es una de las joyas Progresivas del rock hecho en Italia de principios de los años 70’s. y que junto al primer disco de PFM, considero que son de los dos más poderosos discos debuts que hayan salido en ese año por (gran año por cierto para el rock italiano), y fundamentales si se quiere conocer el desarrollo del genero Progresivo en este país. La multiplicidad de ritmos, el color que les imprimen a las composiciones, los armonías difíciles y laboriosas, los ritmos extraños y disonantes, son poemas acabados que valen por su amplio aliento, su noble emoción sus líneas ya planas, ya móviles su expresión generosa aquí y contenida allá, su atmósfera nostálgica y a veces agresiva, creada por la parte de la instrumentación, rica en musicalidad y poderosamente evocadora.
El bajo de Renato es poderoso y sublime, discreto y taciturno a la vez, pero eficaz y sobrio en momentos de gran tensión musical, no hay duda que es de los bajistas menos reconocidos, pero si de los más diestros y con un gran sentido del acompañamiento y la improvisación (escuchen el pasaje de Metamorfosi minuto 4:20 en adelante). Calderoni lo considero de los mejores bateristas que haya dado el Progresivo, con un extraordinario instinto en aplicar los más disonantes ritmos que uno se hubiera imaginado y los aplica con la gracia del maestro y se afirma como un grande en hacer minuciosas pero efectivas tonalidades percutidas, con grandes redobles y con registros de hasta ritmos de 6/8 y con cambios sorprendentes, ritmos colosales y manejo de una melodía expresa.
La guitarra de Marcello es de las mejores que haya escuchado y que realizo una extraordinaria labor tanto en este disco como en el “Darwin!” (segundo disco de BMS) Y una parte del “Io Sono Nato Libero”. Músico preciso, teje grandes acordes y melodiosas líneas en su guitarra, tanto eléctrica como acústica, armonista consumado, (escuchen el delicioso y delicado pasaje de guitarra en Il Giardino del Mago minuto 10:30 ) con un gran sentido por la tonalidad y evitando el uso de los riffs genéricos del rock, opta por tocar a la manera de los grandes madrigalistas y laudistas ingleses, posee la entonación armónica mas sofisticada y con un toque mediterráneo que brinda frescura y gracia, no exenta de pasajes agresivos donde demuestra su potencial.
Antes de pasar a las canciones, quiero resaltar el punto acerca de la producción del disco, a mi me parece una producción muy aceptable en cuanto a sonido, (similar a esos discos del sello Vértigo) si se pudo hacer mejor pero es bastante disfrutable la sonoridad integra del disco, es cierto también que se oyen muy al frente los teclados de los hermanos Nocenzi, y en ocasiones la voz de Francesco se oye muy bajo en la mezcla. Pero creo que estos problemas mínimos se solucionan haciendo una buena ecualización en el aparato donde se este escuchando, para verdaderamente disfrutar esta maravillosa obra de arte que es su primer disco, capital en la discografía italiana de cualquier melómano Progresivo.
1.- In Volo.- El tema que abre este esplendido disco de BMS consiste en un ejercicio polifónico acompañado de efectos de sonido parecidos a lo que supongo sonaría o como una luciérnaga metálica o a un OVNI, y un dialogo entre Francesco y Vittorio, acompañado de flauta, bajo y una muy pero muy discreta batería de Calderoni, y con un sentimiento un poco medieval, por el uso de la flauta y este dialogo esta inspirado en un poeta poco conocido de Italia llamado Ludovico Ariosto (poco conocido aquí en México, claro) es una canción extraña y la voz de Digiacomo parecería de un locutor o narrador de algún programa o libro fantástico, y lo más notorio es ese efecto de “coro” que asemejan a unos niños, pero que es un efecto también de los teclados de Nocenzi, una canción que aparenta no tener un ritmo y que sonaría para muchos como una introducción de lo que viene. Buena (si gustas de los diálogos en italiano).
2.- R.I.P. (Requiescant in Pace).- Una de las canciones icono del grupo y que contiene todos los elementos por los cuales BMS es reconocido, los largos temas, la multiplicidad de notas musicales, los cambios de ritmos, el fraseo virtuoso , el compás energético, la voz poderosa y el teclado sumamente fértil e imaginativo, Gianni nos deleita con esas notas emanadas de su piano y ejecutadas puntillosamente y que no teme las armonías duras combinado con pasajes de belleza incalculable; el ritmo de Calderoni es sostenido de una manera ágil, (6/4) pero sin ser protagonista, con redobles flexibles pero exactos, la guitarra de Todaro es simplemente genial, trazos jazzisticos, pintor tonal de la guitarra, alterándola con un efecto de su guitarra haciendo que se escuche con una especie de urgencia melancólica bien estructurada, el teclado de Vittorio es único combinando el sonido de su órgano Hammond , con un moog discreto y que en partes se escucha misterioso y belicoso, el bajo de Renato es rico en a entonación melódica, sosteniendo el ritmo y hablando un lenguaje pausado, la voz de Francesco es simplemente extraordinaria! Pagina nostálgica y soñadora y con un todo de perfección inigualable. Trasmitiendo todos los sentimientos posibles, y que revela los atrevimientos y las bellezas de la música Progresiva, sobre todo al final de la canción, trasmite un sentimiento de abatimiento que en verdad pone los pelos de punta y atraviesa hasta el corazón más duro, acompañado de un piano sugestivo y una flauta con sonidos diseminados, para pasar inmediatamente a una secuencia de órgano tocado de forma muy fulminante y a un piano que termina la canción de forma fenomenal. No hay duda que esta es verdaderamente una de las canciones más representativas de Banco y de lo mejor en el disco. Excelente.
3.- Passaggio.- Una especie de entreacto tocado por Vittorio con un tema básicamente enraizado en la tradición clásica italiana, muy evocador y bucólico y de paso demostrando el genio que posee en el teclado por parte de Nocenzi. Tocando lo que parece una espineta o un clavicordio y aparentando entrar y salir de un cuarto. Es una pequeña obra de maestría en el arte de la melodía pura y no hay duda que la línea melódica seduce el espíritu, y si se fijan estas notas son similares a lo tocado en el resto del álbum, no reproducida de forma igual, pero si con ciertos elementos semejantes. Es una investigación afligida de un sonido perdido. Muy Buena.
4.- Metamorfosi.- La pieza musical que considero “cajona”, es una obra de inigualable musicalidad y que con una arquitectura sólida , con una instrumentación rica, oculta, de imaginación sorprendente, de sentimiento muy inspirado y con melodías intensamente poéticas, hasta ahora sigue siendo una de las construcciones más perfectas del genero Progresivo, con paletas sonoras amplísimas y riqueza de estilo sorprendente, no hay duda que Banco son músicos de una creatividad realmente prodigiosa, y revela a Vittorio como sabio contrapuntista y siempre cuidadoso del plan de la obra musical, se muestra arquitecto y cree en la primacía de la forma y del fondo y exige incluso una logica de la fantasía. Músico genial el piano de Gianni embellece toda la canción de una manera muy elegante y definida, es un drama punzante donde el Nocenzi afirma su maestría, y su grandeza,. La voz e DiGiacomo es poderosa y dramática al punto operístico y que brilla como la llama chispeante. El bajo de Renato se revela al oyente como un bajista inspirado y que sabe tomar las riendas del ritmo cuando es exacto, músico audaz y buscador de nuevas sonoridades y aunado con el instinto de la forma y del relieve. La batería de Calderoni brilla por su libertad de ritmo y que anima con nuevo aliento la música, percusionista tremendo y colosal. La guitarra de Todaro es poderosa y sublime, contrapunteando al teclado y al piano de los Nocenzi, y sobresaliendo por elaborar notas poderosas y frescas con el uso prudente de un efecto “overdrive” , no hay duda que es un maestro de la guitarra. Con sus casi 11 minutos de largo esta canción empieza con un contrapunteo entre la guitarra de Marcello y el piano de Gianni, acompañados por el bajo de Renato, el teclado de Vittorio y la batería de Calderoni, con un ritmo sincopado (6/5) pero muy enérgico, para pasar a uno de los solos de piano por parte de Gianni más conmovedores que he escuchado, muy idílico y solitario, poseedor de una melancolía implícita en la ejecución me hace recordar a compositores clásicos como Beethoven o Chopin, poema profundo, intimo en los que quizá puso lo mejor de su corazón por medio de una forma siempre en renovación. Uno de mis pasajes favoritos en una canción favorita! Una serie de notas sincopadas de melodía misteriosa del moog de Vittorio irrumpe y una serie de sonidos que suenan caóticos por parte de la guitarra de Todaro, mientras Vittorio y Gianni tocan frenéticamente el teclado y el piano respectivamente, mientras que Calderoni lleva un ritmo rapidísimo, dando una sensación de vértigo al escucha , repentinamente vuelve a la calma en el minuto 3:23, con un discreto solo de teclado de Nocenzi, tocado acompasadamente, no hay duda que es un pintor de la música que aplica una estética refinada y solo escuchen ese bello pasaje del minuto 3:30 al 3:57 , increíble y onírico a la vez. Para después pasar a una parte más energética, Renato tocando en su bajo “oscuro” las notas misteriosas del teclado, mientras que Calderoni nos sorprende con un ritmo inusual y se crean por parte de Todaro y Vittorio un dialogo de sorprendente riqueza melódica. A partir de minuto 5:09 vuelven al dialogo inicial (y principal) por parte de Marcello y Vittorio, no hay duda que la música de Banco del Mutuo Soccorso anima un sentimiento místico a veces y uno dramático.
Después vuelve un cambio de ritmo que se impone con el bajo de Renato y unos solos esparcidos del piano de Gianni y el teclado de Vittorio, creando una especie de transición hacia un ritmo más lento y más suave, la guitarra de Marcello brilla por su tonalidad, por su gracia sentimental y mediterránea, y da paso a la sereña voz de Di Giacomo que nos vuelve a estremecer con sus registros bajos y altos. Afirmando una vez más que es un gran vocalista, que canta las piezas musicales con soltura y con un estilo animado y conmovedor. La canción finaliza con un ritmo apresurado, similar al de RIP, con un excelente ritmo de Calderoni, y Vittorio nos receta unas armonías elaboradas y que se escuchan sumamente Progresivas, unos acordes excelentes y pesados de la guitarra de Todaro, y finaliza la obra con unas vertiginosas melodías al piano de Gianni, en fin una de las mejores y mas acabados ejemplos de un rock Progresivo combinado con mucho clasicismo y demasiado cambios rítmicos considero que es la mejor canción del disco. Excelente.
5.- Il Giardino del Mago a) ...passo dopo passo... b) ...chi ride e chi geme... c) ...coi capelli sciolti al vento... d) Compenetrazione .- La canción más larga del disco y que se encuentra dividida en cuatro partes, una obra a ratos muy abstracta, con largos trabajos de teclado y piano por parte de los hermanos Nocenzi, excelente guitarra de Marcello y un bajo firme, con notas fundadas en la escala cromática por parte de Renato y una batería por parte de Calderoni, que a mis oídos es de lo mejor que he escuchado en mi vida, la voz de Giacomo fluye de una forma fogosa a una forma melancólica o trepidante en cuestión de minutos, demostrando que es un asombroso genio de la forma, el ritmo y la melodía.
La obra que considero “épica”, por su longitud y su concepto, se divide en 4 partes, la primera a) ...passo dopo passo... Empieza con un misterioso órgano tocado por Vittorio y que es como si fuera desvelando un lugar de ensueño y en penumbra, acompañado de un piano ascendente y descendente al fondo y un ritmo acompasado de Calderoni y un bajo que se limita a acompañar el tono de la melodía. Y apareciendo unos coros por parte de los Nocenzi. En el minuto 2:09 aparece la guitarra de Todaro tocando las notas musicales principales de una manera furiosa, con un efecto “overdrive” y en el minuto 2:52 se vuelve a repetir el ciclo musical, pero ya con la presencia vocal de Di Giacomo acompañando la melodía con un tratamiento vocal que simula, al principio, un lamento pero que después va tomando fuerza vocal y con muy buena factura musical. También reluce un clavicordio al fondo y que supongo es tocado por Gianni. “e passo dopo passo con le spine ormai nei piedi tanto stanco stanco.” nos lleva a la segunda parte.
b) ...chi ride e chi geme... Principia esta parte con un ritmo dinámico por parte del grupo, Todaro utiliza de manera muy inteligente la guitarra, evitando usar los genéricos “riffs”, sustituyéndolos con acordes efectivos y melodiosos, la batería de Calderoni lleva un ritmo fundado en 18/8 que este gran maestro de las percusiones domina sin problemas, y resalta el dialogo que se hace entre Di Giacomo y los hermanos Nocenzi, y donde estos demuestran sus dotes vocales, sin embargo palidecen ante la potencia y firmeza de la impresionante voz de Di Giacomo, lo bueno es que lo compensan con su velocidad, empuje y sentido contrapuntístico en los pianos y teclados, el bajo de Renato va construyendo melodías agradables y sosteniendo la estructura primaria de la canción. Después de la parte del dialogo, Vittorio y Gianni nos muestra la capacidad y velocidad que poseen en ambas manos y juntos van tejiendo sendos solos de teclado de manera, casi orgiástica, como si quisieran acabarse el teclado, notables improvisadores y a quien su imaginación creadora parece no tener limites y después de un pequeño pasaje de tipo “Floydiano”, pasan a la tercera parte.
c) ...coi capelli sciolti al vento... Inicia terminando el pasaje “Floydiano” con una notas de Gianni, quien posee una inspiración en las grandes compositores del piano y que va construyendo las líneas principales de esta parte, aparece la voz de Francesco de forma elegante, y va deslizándose de manera gradual en la melodía de la canción y el clarinete de Vittorio acompañando con notas desperdigadas. Un pasaje musical de mucha belleza sugestiva y escucho la música similar a los madrigalistas italianos del siglo XVI. Hace presencia la guitarra acústica de Todaro tocando unos elegantes arpegios, lo que le da todavía una mayor connotación mediterránea, creo que son músicos extraordinarios y de gran maestría polifónica y destaco ese dialogo entre la guitarra de Marcello y la voz de Di Giacomo que es realmente muy melancólico y recrea una atmósfera tornasolada y misteriosa, propio de espíritus elevados y sublimes.
A partir del minuto 11:14 el bajo de Renato nos acelera el ritmo de manera vertiginosa y seguido de la batería de calderoni y la guitarra (eléctrica) de Marcello, comienza un breve solo de clarinete ejecutado por Gianni, e inmediatamente empieza un trepidante solo de teclado Hammond por parte de Vittorio que demuestra su técnica certera, audaz e improvisadora, y que el Clarinete de Gianni va persiguiendo a través de la canción. Eventualmente el grupo va elevando la música a un pathos de sublime hechura y finura, mientras Calderoni va manteniendo un ritmo muy apresurado y constante, alternado percusiones y terminando con un duro redoble de un timbal.
d) Compenetrazione.- La ultima parte de esta gran obra “homérica” de este excelso grupo italiano, empieza por recrear el pasaje tocado con inspiración madrigalesca, en la tercera parte, me parece como una especie de exposición de los opuestos , la gran guitarra de Todaro brilla por su forma su finura y su inspiración sonora, los teclados de los hermanos Nocenzi se sitúan en la cúspide de la melodía y la voz de Di Giacomo navega por las aguas de la inspiración poética., afirmando que es un músico que es capaz de conmover y que esta dotado de una rara intuición del timbre y sensibilidad majestuosa.
En el minuto 15:37, cambia la dinámica musical, apareciendo la sólida guitarra de Marcello y el bajo de Renato, recreando la temática de la primera parte de esta “epopéyica”, obra , con intervenciones muy precisas de Vittorio en los teclados y que le da buena alternancia al tema musical, a partir del minuto 16:55 vuelven al ritmo de 18/8, donde el grupo demuestra que su concepto musical esta enraizado firmemente en las entrañas del rock Progresivo y que el desarrollo clásico y su constante búsqueda de las sonoridades más sutiles crearon esta obra maestra que vale por su desarrollo armónico, su temática compleja y sus pasajes de belleza incontestable.
6.- Traccia.- La ultima pieza musical del grandioso disco de Banco del Mutuo Soccorso y también de las más conocidas por los aficionados al grupo. Es un desarrollo contrapuntístico de nivel muy complejo, sobre todo si se pone especial atención entre el trabajo del teclado y el piano de los Nocenzi, y como la batería de Calderoni va construyendo complejos poli ritmos a través de furiosos redobles y entre los rapidísimos pases del piano y los teclados, el bajo de Renato se ancla en ritmo de 6/8 y que le da a la obra, solidez y estructura amplia. La guitarra de Marcello aparece tardíamente, pero lo hace con un genial fraseo de guitarra e inmediatamente se coloca junto al bajo, dándole una potencia adicional al ritmo que va marcando Renato. Adornada con coros, cortesía de los Nocenzi, y que le da un marcado acento de medievalismo italiano, combinado con un rock progresivo muy energético, finalizando con un órgano al mas puro estilo de J. S. Bach.
Esta es una de las obras más completas y complejas que haya escuchado del rock Progresivo mundial, verdaderamente es impresionante lo que el grupo realizó en este disco y que demuestran una libertad de ritmo, un carácter y un dramatismo que animó con un nuevo aliento al rock Progresivo. Sus grandes emociones, sus líneas, su fuerte evocación, y donde se afirma un temperamento poderoso y una maestría absoluta en la música que dejan como testimonio este gran álbum.
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1.In Volo
2.R I P
3.Passaggio
4. Metamorfosi
5. Il Giardino Del Mago
6. Traccia
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lunes, 11 de mayo de 2009

Storia di un Minuto (1970)


En 1971 se grabó el primer disco de “La P.F.M.” estupendo quinteto progresivo de Italia que hasta el día de hoy persiste, obsequiando al mundo sus obras musicales.
Este primer trabajo transita por un terreno semejante al que Genesis propuso en Nursery Crime y King Crimson en In The Court of the Crimson King, con la diferencia de que Premiata incluye en su formación un violinista -en ese entonces, el gran Mauro Pagani- y no un saxofonista, como aquella primera encarnación de Crimson.
Como elemento extra, la banda agrega el sentimiento propio, proveniente del folklor y la música clasica italiana. El álbum resulta ser altamente progresivo, pero tambien pastoral y altamente estético. Una piedra angular del Rock progresivo italiano
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Introduzione
Impressioni Di Settembre
E' Festa
Dove...Quando... (Pt. 1)
Dove...Quando... (Pt. 2)
La Carrozza Di Hans
Grazie Davvero
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Time and a Word (1970)

Su segundo trabajo se titula: Time and a Word en 1970, un álbum que seguía el corte melódico e instrumental del anterior, sin embargo, esta vez con la incorporación de una orquesta de cámara, con una clara influencia del compositor ruso-norteamericano Igor Stravinsky. La inclusión de esta orquesta vino a reemplazar gran parte del protagonismo de las guitarras eléctricas, lo cual pareció enfadar al guitarrista Peter Banks, que sumado al descontento del resto de la banda con su trabajo, cada vez más auto indulgente, terminó finalmente con la salida de éste.Time and a Word es el segundo álbum de la banda de rock progresivo Yes, lanzado a mediados de 1970 en el Reino Unido y en noviembre del mismo año en Estados Unidos. Este fue el último disco de Yes realizado por la alineación original, ya que Peter Banks fue despedido después de su lanzamiento.

La ambiciosa decisión de utilizar arreglos orquestales en la mayoría de las canciones del álbum disminuyó el rol de Banks como guitarrista. Las tensiones dentro del grupo aumentaron, hasta que inmediatamente después de terminar la grabación del álbum a principios de 1970, se le pidió a Banks que abandonara el grupo. Steve Howe se uniría a la banda en el mes de marzo.

El uso de arreglos de cuerdas en Time and a Word pareció excesivo a algunos críticos. Aunque en su momento el álbum tuvo un recibimiento un tanto tibio (alcanzando el sitio 45, debut de Yes en las listas de popularidad del Reino Unido), se le tiende a recordar de forma más favorable en la actualidad.Con la llegada de Steve Howe, la banda comenzaría a componer en el verano de 1970 la música para The Yes Album, que en la primavera del año siguiente representaría el primer verdadero éxito del grupo. Por esto Time and a Word representa el fin de la etapa formativa de Yes.

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No Opportunity Necessary, No Experience Needed - 4:48
Then - 5:46
Everydays - 6:08
Sweet Dreams - 3:50
The Prophet - 6:34
Clear Days - 2:06
Astral Traveller - 5:53
Time and a Word - 4:32

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Foxtrot (1972)



Foxtrot es un álbum que particularmente a mi me encanta, la primera vez que lo escuché quedé impresionado. En principio era uno de los discos que más me gustaba, tiene temas excelentes y no hay uno solo que sea de relleno ni que esté de más. Es esos discos que te tenés que poner a escuchar de principio a fin, y varias veces para casarle la onda. Temas como Watcher of the Skies (Con su hermosa intruducción con el Mellotron que realmente pone la piel de gallina), Get'em out by Friday, son temas geniales. Horizons y Can-Utility and Coastliners son simplemente bellisimos. Y bueno Supper's Ready, que se puede decir de una obra que ronda por los 22 minutos, y en ningún momento se pone densa. Estos son los discos que no podes dejar de escuchar. Una verdadera obra de arte.

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miércoles, 6 de mayo de 2009

Descargas de Discos

Como ya se habrán dado cuenta empecé a poner discos en descarga directa, apretás el link de Rapidshare o Megadownload y listo. No tienen pass ni nada, algunos archivos estan en WinRar y otros en WinZip.
Espero que les Sirva. Si necesitan algún disco lo pueden pedir (Eso si que sea del Género, aunque también voy a subir cosas de Jazz, Blues, Rock Psicódelico, etc.)
Saludos

The Aerosol Grey Machine (1969)


Es el primer álbum de Van der Graaf Generator (VdGG), estaba pensado para ser un disco solista de Andy Latimer.
Un muy buen disco que no podes dejar de escuchar, es un poco excentricó, casi como todos los disco de Van der Graaf. Pero es recomendable.´
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Afterwards – 4:55
Orthenthian St., Pts. 1 & 2 – 6:18
Running Back – 6:35
Into a Game – 6:57
Aerosol Grey Machine – 0:47
Black Smoke Yen – 1:26
Aquarian – 8:22
Necromancer – 3:38
Octopus – 8:00
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Nursery Cryme (1971)



Tercer disco de Genesis. Después de la partida de Anthony Phillips y John Mayhew como habiamos contado en Trespass. Decidieron buscar un baterista y un guitarrista. Quedaron impresionados con la prueba de un joven que venia de una banda llamada Flaming Youth, un tal Phil Collins, no se si lo ubican. A mi parece uno de los mejores baterístas del rock progresivo, junto con Bill Bruford, Palmer y Neil Peart. Y por un aviso en una revista dieron con Steve Hackett, otro guitarrista comparable con Steve Howe.

Esta formación (Gabriel, Collins, Rutherford, Banks, Hackett) duró 4 años y es la más recordada por los fanaticos antiguos de Genesis. La composición en general era compartida, pero Steve Hackett tiene poca participación en este disco, en cuanto a la composición. En Nursery Cryme las composiciones de las letras fueron virando hacia historias mitológicas, como Fountain Of Salmacis. Y a veces historias extravagantes como Harold The Barrel o The Return Of The Giant Hogweed. Y Phil hizo su debut como cantante en For Absent Friends. Peter Gabriel estaba a cargo de la mayoría de las letras.

Con la llegada de Phil Collins y Steve Hackett al grupo la base rítmica adquiere un nuevo protagonismo en el que Phil y Mike Rutherford (bajo) adquieren una compenetración perfecta; además el estilo de la banda adquiere unos nuevos matices que se alejan del estilo folk-etéreo de su anterior trabajo y acercándose más a los del jazz-fusion, aunque siempre bajo el estilo personal y las complejas letras marca de la casa.
A partir de este trabajo Genesis empieza a definir su personalidad como grupo musical y pasa a ser uno de los grupos de culto (aunque no de ventas) de los primeros años de la década de los 70.

En cuanto a la tapa del disco, también estuvo a cargo de Paul Withehead. En el dibujo se ve a Cinthia la niña protagonista de The Musical Box, jugando al criquet. Pero también se ve a los demás personajes de las canciones del CD.

Por otro lado, Peter Gabriel escribió una pequeña historia para "The Musical Box" que se encuentra al principio de las letras y en la cual también se ven referencias que son reflejadas en la portada. La historia dice así: Mientras Henry Hamilton-Smythe menor (8) estaba jugando al croquet con Cynthia Jane De Blaise-William (9), la dulce y sonriente Cynthia levanta su mazo y graciosamente le extirpa la cabeza a Henry. Dos semanas más tarde, en el cuarto de Henry, ella descubrió su preciada cajita de música. Ansiosamente la abrió y mientras "El viejo King Cole" comenzó a sonar una pequeña figura-espíritu apareció. Henry había regresado - pero no por mucho tiempo, porque mientras estaba parado en el cuarto su cuerpo comenzó a envejecer rápidamente, dejando una mente de niño en su interior. Los deseos de una vida le surgieron a él. Desafortunadamente en el intento de persuadir a Cynthia Jane para saciar su deseo romántico produjo que su niñera vaya al cuarto a investigar el ruido. Instintivamente Nanny le arrojó la cajita de música al niño barbudo, destruyéndolos a ambos.
El "El viejo King Cole" (Old King Cole en inglés) es una antigua canción tradicional inglesa, que Gabriel reproduce partcialmente en la sexta estrofa de "The Musical Box".

Aunque no tan pulido en términos de producción como los álbumes que lo siguieron (la mayoría de las canciones estaban grabadas solamente en 8 canales), Nursery Cryme era un gran progreso del grupo con respecto a su trabajo anterior, Trespass. Aunque el sonido folk aún permanece en canciones como "Harlequin" y "For Absent Friends", otras canciones mostraban un sonido más agresivo y estridente. La guitarra principal de Hackett contribuía mucho con esto, con poderosos solos contenidos en canciones como "The Musical Box", "The Return of the Giant Hogweed" y "The Fountain Of Salmacis". La batería de Collins era justa y precisa, complementándose con el resto de los instrumentos.
Banks también contribuyó con este sonido más agresivo de varias formas: algún tiempo antes de que Hackett sea reclutado en la banda, Genesis actuaba en vivo con cuatro personas. Banks emulaba la guitarra tocando solos en su piano eléctrico, esta técnica puede ser escuchada en "The Musical Box" y en la introducción de "The Return of the Giant Hogweed". Además compró su propio
melotrón Mark II a King Crimson y empleó el efecto de "tres violines" del mismo, para crear un gran efecto en "The Fountain of Salmacis" y "Seven Stones".
Otro elemento que contribuyó con en el sonido creciente de la banda era la utilización de una pedalera electrónica Dewtron para bajo, por parte de Rutherford. Incluso en una canción como "Harold The Barrel", que apenas hace uso de este instrumento, estaba poseída de una energía como nada grabado anteriormente por Genesis.

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Trespass (1970)


El segundo disco de Genesis. Demuestra un notable cambio, dando la idea de lo que seria la música que realizaria en esta nueva década, rock progresivo/sinfónico si se quiere. Temas como The Knife, Stagnation o White Mountain demuestran la diferencia a lo que venia haciendo anteriormente. Este es un muy buen disco con temas que son recordados por cualquier fanático de Genesis. Este álbum tendría en la bateria a John Mayhew, y sería el último del guitarrista Anthony Phillips, el cual sufría pánico escenico.
El uso de las guitarras de doce cuerdas (casi excesivo), se complementan con voces armónicas, piano acústico, flauta, Órgano Hammond y Mellotron.
La banda no estuvo muy feliz con el desempeño de John Mayhew, por lo tanto deciden despedirlo y salir en busca de un baterista nuevo, pero esa ya es otra historia.
En este álbum, todos muestran sus dotes musicales, por ejemplo, Stagnation incluye un excelente solo en el Hammond de Tony Banks. El bajo "agresivo" de Mike Rutherford en The Knife. Y ni hablar de las voces de Peter Gabriel.
La portada fue diseñana por un tal Paul Withehead, vendría a ser un dibujo medieval, atravesado por el corte de un cuchillo. La idea era que el interior del cuarto que se observa en el dibujo fuera blanco y negro, mientras que lo que se veía afuera de la ventana estuviera en color, pero cada vez que la imagen era vuelta a imprimir, se volvía más azul que gris. Sobre la imagen se leía la palabra "Trangrediendo".
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Looging For Someone - 7:08
White Mountain - 6:43
Visions Of Angels - 6:53
Stagnation - 8:49
Dusk - 4:14
The Knife - 8:56
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Camel (1973)



Aunque su disco tuvo poco éxito comercial, lo que obligó a que rompan con la discográfica de eso momento, MCA, este es uno de los discos más representativos de la banda. Fusionando elementos propios, con estilos como el Jazz, la música clásica y Blues. Canciones como Slow Yourself Down o Never Let Go y números instrumentales como Arubaluba, fueron perfilando el sonido singular del grupo.Es un disco que a mi en particular me gusta muco.

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Slow Yourself Down – 4:47
Mystic Queen – 5:40
Six Ate – 6:06
Separation – 3:57
Never Let Go – 6:26
Curiosity – 5:55
Arubaluba – 6:28

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Yes (1969)



Este albúm es su debut, en donde Yes todavía no lucia sus dotes para el rock progresivo, y se tiraba para el lado de lo Psicodélico, tal vez, inspirado por bandas como Moody Blues, y música del momento como The Beatles.
Este disco contiene dos covers, uno de The Beatles (Every Little Thing) y uno de The Byrds (I See You). El disco no deja de ser bueno, pero en esa epoca se vió opacado por discos como Led Zeppelin I, de la misma discografía.
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Beyond and Before
I See You
Yesterday and Today
Looking Around
Harold Land
Every Little Thing
Sweetness
Survival
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Emerson, Lake & Palmer (1970)


El Primer Disco de la banda, y no rompe con la regla de los primeros discos de las grandes bandas. Es un muy buen trabajo del trío. La lista de canciones contiene solo una composición de los tres miembros ("The Barbarian"), y el resto son solos. Keith Emerson tiene como su pieza solo "The Three Fates", Greg Lake tiene "Lucky Man", y Carl Palmer tiene "Tank". Las demás canciones son tocadas en grupo.
Acerca de las canciones, casi todas son impresionantes. "The Three Fates" es la única que no cae muy bien entre las demás selecciones contenidas aquí. "The Barbarian" está originalmente basada en el "Allegro Barbaro" (1911) de Béla Bartók. "Take a Pebble" tiene un excelente solo de jazz, en el que Palmer demuestra que puede tocar bien los compases jazzeros a pesar de ser un baterista de rock. "Knife Edge" está basada en la "Sinfonietta" de Leos Janacek, y también es uno de los mejores momentos en el disco. Los solos de Palmer en "Tank" son también muy buenos, por eso es que la canción es el solo de Palmer. "Lucky Man", una balada escrita por Lake cuando tenía 12 años, aunque fue grabada sólo para llenar el espacio en el disco, se mantiene como una de las mejores canciones del género del rock progresivo hoy.
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The Barbarian - 4:30
Take a Pebble - 12:29
Knife Edge - 5:08
The Three Fates: Clotho/Lachesis/Atropos - 7:42
Tank - 6:50
Lucky Man - 6:37
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From Genesis to Revelation

From Genesis To Revelation es el primer disco de Genesis, banda de rock progresivo. En este disco la banda estaba compuesta por:

Peter Gabriel - Voz
Tony Banks - Teclado
Mike Rutherford - Bajo
Anthony Phillips - Guitarra

Y con la bateria hubo un problema, el primer baterista oficial de Genesis, Chris Stewart él tocó en las canciones The Silent Sun, That's Me, A Winter's Tale, y en One Eyed Hound. Aparentemente, al poco tiempo de tocar en Genesis se cansó y se alejó de la banda. El mismo ha asegurado luego, que su etapa en Genesis fue más que nada una diversión, algo que surgió en el momento y nunca se lo tomó de forma profesional.
John Silver lo reemplazó, y tocó en los temas que faltaban. Pero Silver al poco tiempo se alejó. Y allí llegó el momento para John Mayhew, quien se encargó de la batería en el segundo disco.

Se supone que este, es un disco conceptual que narra la historia de la creación del universo. Aunque tiempo después Peter Gabriel dijo que fue un concepto muy inútil. En este albúm Genesis no mostró su mejor cara, como si muchos discos primerisos como "In The Court Of The Crimson King". Tiene un estilo más marcado por la música del momento, como The Beatles. El manager de la banda, Jonathan King, metió mucha mano en el disco cosa que a mi no me gusta mucho, ya que escuche el material sin la edición de King y me pareció mucho mejor. Pero en fin, si te gusta Genesis no podes dejar de escucharlo.

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The Silent Sun
That's Me Where
The Sour Turns To Sweet
In The Beginning
The Serpent
Am I Very Wrong?
In The Wilderness
The Conqueror
In Hiding
One Day
Window
In the Limbo

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The Musical Fox (Banda Tributo a Genesis)

Nueva fecha de The Musical Fox
Para todos aquellos fanaticos de Genesis, no se pueden perder esta fecha.
23 de mayo, 21.30 puntual. Es un show largo.
Teatro Santa Maria Montevideo 842 (y Av. Cordoba) Ciudad de Buenos Aires, Argentina.
Para más información dejo el link de la página de la banda.
http://www.themusicalfox.com.ar/

Y este es el Space.
http://themusicalfox.spaces.live.com/

Genesis - Supper's Ready (Parte 1)