martes, 3 de noviembre de 2009

Problema con Rapidshare

Sepan disculpar, pero lamentablemente la página tuvo un inconveniente y me borraron todos los link's, de a poco subiré todo a otra página.
Les pido mil disculpas, ya arreglé algunos link's.
Saludos

lunes, 6 de julio de 2009

Pictures at an Exhibition (1972)


Te cuento: Modest Musorgski fue un gran músico nacido en una aldea llamada Karevo, en una región campesina al norte de la Rusia zarista. Modest (pronunciar con acento en la é), era sensible y nacionalista, y su característica compositiva fue la creatividad y compromiso con el campesinado del aquel entonces. Se dice que era un tipo muy cálido y amable, y la bohemia vida que llevó hizo que ésta sea corta por demás, falleciendo en el 1881 a los 42 años.

Un hecho trágico marcó la vida de Modest en el 1873, que fue la muerte de su amigo, el artista plástico Viktor Hartmann. A manera de homenaje, en una muestra de las pinturas del difunto amigo, Musorgski compuso la originalmente llamada “Suite Hartmann” (que luego cambiara el nombre por Cuadros…), donde cada tema se debía a cada cuadro expuesto de su amigo:

* Gnomus: un gnomo alargando con pasos torpes sus piernecillas torcidas, con aullidos y convulsiones.
* El viejo castillo: un castillo de la Edad Media, ante el cual canta un trovador.
* Tullerías: en la alameda de un jardín, algarabía de niños junto a sus juegos.
* Bidlo: una carreta polaca con dos enormes ruedas, enganchada a dos bueyes. (Con un gran manejo de la dinámica, Mussorgski refleja el acercamiento y alejamiento de la carreta.
* Ballet de polluelos en sus cáscaras: imagen humorística de dos polluelos festivos; este dibujo a tinta china fue hecho para el decorado del ballet Trilbi.
* Dos judíos polacos: uno rico y arrogante, el otro pobre y plañidero. (Este cuadro refleja el antisemitismo ruso de la época.)
* El mercado de Limoges: unas mujeres discutiendo animadamente en el mercado.
* Catacumbas: se ve allí a Hartmann y dos sombras, visitando las catacumbas a la luz de una linterna.
* La cabaña sobre patas de gallina: una cabaña con forma de reloj, donde vive la bruja Baba-Yaga.
* La Gran Puerta de Kiev: proyecto de construcción arquitectónica, en el estilo ruso antiguo, con cúpula en forma de casco.

Cuando Modest compuso Cuadros, lo hizo como concierto para piano, sin embargo la versión más conocida de la obra es la que fue llevada a orquesta con arreglos de Maurice Ravel.

En otros post te contaba acerca de la formación clásica de los protagonistas del progresivo de los 70´s, y esta es una sencilla muestra. Emerson, Lake & Palmer adaptaron la obra de Musorgski para hacerla rock. Fue editado en 1971 en Inglaterra, y en el ´72 en USA. Hay, sin embargo, 4 temas en el disco que no son de Modest Musorgski: The Sage (Greg Lake), Blues Variation (ELP), The Curse of Baba Yaga (ELP) y “Nutrocker” (o Cascanueces), adaptación del tema compuesto -nada menos- que por Piotr Ilich Tchaikovski.

-------------------------------------------------

01. “Promenade” (Mussorgsky) - 1:58
02. “The Gnome” (Mussorgsky, Palmer) - 4:15
03. “Promenade” (Lake, Mussorgsky) - 1:23
04. “The Sage” (Lake) - 4:40
05. “The Old Castle” (Emerson, Mussorgsky) - 2:31
06. “Blues Variation” (Emerson, Lake, Palmer) - 4:21
07. “Promenade” (Mussorgsky) - 1:28
08. “The Hut of Baba Yaga” (Mussorgsky) - 1:16
09. “The Curse of Baba Yaga” (Emerson, Lake, Palmer) - 4:08
10. “The Hut of Baba Yaga” (Mussorgsky) - 1:06
11. “The Great Gates of Kiev (The End)” (Lake, Mussorgsky) - 6:29
12. “Nutrocker” (Fowley, Tchaikovsky) - 4:34

-------------------------------------------------

www.rapidshare.com/files/97503333/Emerson_Lake___Palmer_-_Pictures_at_an_Exhibition.zip

Supertramp (1970)


Supertramp es el álbum homónimo y primer trabajo de estudio del grupo británico de rock progresivo Supertramp, publicado por A&M Records en 1970. Algunas ediciones renombraron el álbum como Now and Then.

Supertramp obtuvo buenas reseñas musicales, si bien no supuso un gran éxito comercial para el grupo: en Norteamérica, el álbum no sería publicado hasta 1977.

-------------------------------------------------

01. Surely
02. It's a Long Road
03. Aubade and I Am Not Like the Other Birds of Prey
04. Words Unspoken
05. Maybe I'm a Beggar
06. Home Again
07. Nothing to Show
08. Shadow Song
09. Try Again
10. Surely

-------------------------------------------------

www.megaupload.com/?d=rvkf4iqt

Wind & Wuthering (1976)


Wind and Wuthering es el segundo álbum de Genesis post Gabriel, y siguió con la línea de A Trick of the Tail. Fue también el último con Steve Hackett (Con excepción del EP "Spot the Pigeon" y el álbumen vivo "Seconds Out"). A mi parece este álbum es genial, y no tiene nada que envidiarle a los de la época Gabriel. Donde Tony Banks tiene un aporte tremendo y se luce en temas como One for the Vine y Afterglow, y aportó un tema como All in a Mouse's Night un tema con bastante sentido del humor, y luego ese mismo tema apareció en trabajos de Tony como Solista. Steve Hackett aportó poco y nada, probablemente eso fué lo que lo llevó a abandonar la banda.

-------------------------------------------------

01. Eleventh Earl of Mar
02. One for the Vine
03. Your Own Special Way
04. Wot Gorilla?
05. All in a Mouse's Night
06. Blood on the Rooftops
07. Unquiet Slumbers For The Sleepers...
08. ...In That Quiet Earth
09. Afterglow

-------------------------------------------------

http://www.mediafire.com/?xmjngbmnt2i

lunes, 29 de junio de 2009

Script for a Jester's Tear (1983)

En este disco, se aprecia toda la calidad y la emotividad interpretativa de Fish... esa calidad que extrañamente perdio (al menos en parte) al irse de la banda e iniciar su carrera en solitario; además esta la fuerte presencia de la guitarra de Steve Rothery, quien, a mi juicio define la esencia del sonido del grupo.

La portada ha sido importante para ésta obra por su interesante composición. La obra gráfica está basada en una técnica de caricatura con aerógrafo (airbrush), donde los colores y la obscuridad logran una composición que reflejan el recién amanecer (o quizá el atardecer) atreves de una ventana, frente a la cual un bufón continúa su angustia en finalizar una obra musical escrita para violín. Se puede pensar que el bufón ha intentado componer una melodía toda la noche puesto que en la mesa de trabajo se percibe un cenicero con varias colillas de cigarro, y una taza de café o té. El bufón vestido en su traje colorido esta descalzo, y emplea tinta y una pluma para escribir, la cual tiene asida con su mano derecha; los dedos de la mano izquierda mantienen la posición del acorde sobre las cuerdas. Muy cerca de el esta una silla de madera con el estuche abierto del violín sobre ella; un camaleón del tipo jacksonii se ha posado al filo del respaldo.

La portada y contraportada fueron creadas por Mark Wilkinson basado en un concepto de Mark Kelly, Mick Pointer,Peter Trewavas, Steve Rothery y Fish quienes fueron los integrantes de Marillon en ese entonces, esto bajo la dirección artística de Jo Mirowski de Torchlight en Londres.

-------------------------------------------------

1. Script For A Jester's Tear
2. He Knows You Know
3. The Web
4. Garden Party
5. Chelsea Monday
6. Forgotten Sons

-------------------------------------------------

www.rapidshare.com/files/71318650/Script_For_A_Jester_s_Tear.rar

Freak Out (1966)


Aunque a menudo es citado como uno de los primeros álbumes conceptuales, el verdadero nexo de unión del álbum no está basado en la música del mismo, sino en la actitud satírica basada en la percepción única del líder de la banda Frank Zappa respecto a la cultura popular de EE.UU.

El álbum fue producido por Tom Wilson, que ofreció un contrato discográfico a The Mothers, anteriormente una banda que tocaba en bares, conocida como Soul Giants, creyendo que era una banda de blues formada por gente blanca. El álbum cuenta con el cantante Ray Collins, junto con el bajista Roy Estrada, el bateria Jimmy Carl Black y el guitarrista Elliot Ingberg, que luego trabajaría con The Magic Band de Captain Beffheart bajo el nombre de Winged Eel Fingerling.

El repertorio original del grupo estaba compuesto únicamente de versiones. Cuando Zappa se unió a la banda no sólo cambió su nombre, sino que expandió su música al incluir una gran cantidad de material original. El contenido musical de Freak Out! incluye desde Rhythm & Blues, doo-woop y rock con influencia de blues estándar, hasta arreglos orquestales y collages sonoros avant-garden. Aunque el álbum fue recibido al principio con poco entusiasmo en los Estados Unidos, fue un éxito en Europa. En Estados Unidos se ganó seguidores de culto y siguió vendiendo en cantidades sustanciales hasta ser descatalogado a principios de los años 1970.

El álbum influenció la producción de The Beatles, Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band En 1999, le fue otorgado el Premio Grammy, Hall of Fame, y en 2003, la revista Rolling Stones lo incluyó en la lista de los 500 mejores albumes de todos los tiempos.

En 2006, The MOFO Pryect/Object, un documental en audio acerca de la grabación del álbum fue lanzado en honor a su cuarenta aniversario.

-------------------------------------------------

  1. Hungry Freaks, Daddy – 3:32
  2. I Ain't Got No Heart – 2:34
  3. Who Are the Brain Police? – 3:34
  4. Go Cry on Somebody Else's Shoulder – 3:43
  5. Motherly Love – 2:50
  6. How Could I Be Such a Fool? – 2:16
  7. Wowie Zowie – 2:55
  8. You Didn't Try to Call Me – 3:21
  9. Any Way the Wind Blows – 2:55
  10. I'm Not Satisfied – 2:41
  11. You're Probably Wondering Why I'm Here – 3:41
  12. Trouble Every Day – 5:53
  13. Help, I'm a Rock – 4:42
  14. It Can't Happen Here - 3:59
  15. The Return of the Son of Monster Magnet – 12:22
-------------------------------------------------

www.rapidshare.com/files/112803180/The_Mothers_of_Invention_-_1966_-_Freak_Out_.rar

miércoles, 24 de junio de 2009

Moving Waves (1971)


En este álbum está el tema “hit” de los inicios de Focus: Hocus Pocus, que es un super rock&roll mezclado con falsetes que fueron característicos en Thijs en los años sucesivos. Otra de las características es la inclusión del “melotrón”, siendo Focus (después de los Beatles) una de las primeras bandas en aplicarlo. Ideado en los 60´s, era un extraño piano conectado a una caja electrónica que permitía elaborar complejas polifonías. O sea: el primer teclado electro-mecánico. En aquella época tuvo mucha difusión, y podés escuchar su uso en temas como Strawberry Fields Forever de The Beatles. Muchos lo usaron, por ejemplo: Genesis en Watcher Of The Skies, The Moody Blues, Rolling Stones, King Crimson, Yes, muy usado por John Paul Jones en Led Zeppelin. Y otra característica, bien propia de la primer época progresiva, era la mezcla de temas clásicos en el rock. Pues bien, aquí tenés Eruption, un tema de 23 minutos que es una adaptación de las primeras óperas compuestas en el siglo XV y XVI. Éstas cuentan la historia de Orfeo y Eurídice, personajes de la mitología griega.

-------------------------------------------------

1. Hocus Pocus (Thijs van Leer, Jan Akkerman) – 6:42
2. Le Clochard (Jan Akkerman) – 2:01
3. Janis (Jan Akkerman) – 3:09
4. Moving Waves (Thijs van Leer, Inayat Khan) – 2:42
5. Focus II (Thijs van Leer) – 2:56
6. Eruption: -23:04
a) Orfeus (van Leer) – 1:22
b) Answer (van Leer) – 1:35
c) Orfeus (van Leer) – 1:26
d) Answer (van Leer) – 0:52e) Pupilla (van Leer) – 1:03
f) Tommy (Tom Barlage) – 1:45
g) Pupilla (van Leer) – 0:34
h) Answer (van Leer) – 0:21
i) The Bridge (Akkerman) – 5:20
j) Break – 0:24
k) Euridice (van Leer, Eelke Nobel) – 1:40

-------------------------------------------------

www.rapidshare.com/files/119139140/Focus_-_Moving_Waves.rar

A Trick of the Tail (1976)

Este disco, grabado en el ´75 y editado el ´76, es el séptimo desde el comienzo de Genesis, y tiene la característica de ser el primero luego de la salida de Peter Gabriel. La historia fue más o menos así:El lanzamiento del grosso doble llamado “The Lamb Lies Down on Broadway” a finales de 1974 marcó la última de Peter Gabriel en el Grupo. Con la excepción del tema The Carpet Crawlers, el álbum no tuvo mucha relevancia comercial, lo fue una constante en toda la etapa Gabriel (coherencia nunca le faltó!). Sin embargo, éste último disco está considerado una obra de “culto” para el rock mundial, según algunos sólo comparable con otras tales como Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de The Beatles , Dark Side of the Moon de Pink Floyd , In the Court of the Crimson King, de King Crimson o Tommy de The Who.

En Agosto de 1975, al terminar la gira de presentación de este disco, Gabriel anunciaría, por motivos personales, el abandono de la banda. Comenzaron entonces, casi desesperadamente, la búsqueda del reemplazo. Se realizaron más de 400 audiciones (si… cuatrocientas!), y todo iba para atrás. Mientras tanto, Mike Rutherford, Tony Banks, y Steve Hacket seguían componiendo. Claro, que en los ensayos, el único que cantaba era el segundo cantante de la anterior etapa: Phil Collins.

La banda regresó a los estudios como un cuarteto en octubre de 1975 para comenzar su nuevo álbum. El resultado fue A Trick of the Tail, que llegó a ser número tres en Inglaterra y número 31 en Norteamérica (el mejor puesto conseguido por un álbum de Genesis hasta entonces). El éxito confundió completamente a algunos críticos que no podían concebir a Genesis sin Peter Gabriel. El álbum duplicó las ventas de los álbumes previos. Este éxito también fue financieramente crucial para Genesis, ya que habían contraído una deuda de U$S400.000 al momento en que Peter Gabriel dejó el grupo. De no haber sido por ese “refresco de caja”, hoy serían todos solistas.
Los críticos que decían que Genesis estaba muerto luego de la partida de Gabriel se llevaron una gran sorpresa con el grupo, regresando con un álbum que vendería más que cualquier trabajo anterior de su carrera: y con Phil Collins como la nueva cara de la banda.
Para las presentaciones en vivo, el grupo tuvo que contratar a un baterista, ya que Phil Collins debía cantar. Nada menos que Bill Bruford, antiguo miembro de Yes y King Crimson, se unió al grupo durante unos meses en 1976. Finalmente, de manera definitiva, fue el baterista de Weather Report y de Frank Zappa, Chester Thompson, quien toma las percusiones los siguientes años.

-------------------------------------------------

01. Dance On A Volcano
02. Entangled
03. Squonk
04. Mad Man Moon
05. Robbery, Assault And Battery
06. Ripples
07. A Trick Of The Tail
08. Los Endos

-------------------------------------------------

www.rapidshare.com/files/55091124/Genesis_-_A_Trick_Of_The_Tail_--_192Kbps.rar

Kansas (1974)


Tras un buen puñado de años de empeño y tesón dentro del negocio musical, el sexteto definitivo de Kansas logró por fin en 1974 hacer su debut en el mercado con su disco homónimo. El entusiasmo con que Livgren, Walsh y cía. acometieron la labor de su primera grabación no vino acompañada de un estilo suficientemente maduro, siendo así que este disco muestra dos facetas bien delimitadas que no logran integrarse del todo en una unidad artísticamente compacta. Una faceta es la enmarcada en el rock y el blues de corte campirano (Lynyrd Skynyrd, Allman Brothers), y la otra es la netamente progresiva, heredera de las fastuosas estructuras sinfónicas propuestas por Yes, ELP y Protocol Harum, incluyendo de paso algunos guiños al espíritu picaresco de Jethro Tull pero con una esencia country.

La primera de estas facetas mencionadas está representada por los dos primeros temas del disco y ‘The pilgrimage’, plenos de desenfado y ese encanto tan especial del sonido rockero tan típicamente americano. ‘Can I tell you’ es un ágil canto a la lucha por las libertades civiles, ‘Bringing it back’ es una remodelación de un blues acústico de J. J. Cale sobre las aventuras de un traficante de drogas y ‘The pilgrimage’ es un homenaje a la búsqueda de experiencias religiosas trascendentales – este último es un tema recurrente en las letras de Livgren. También hay algo de esto en el potente ‘Belexes’, pero en este caso la escalada rockera se crea a partir de una confluencia de Deep Purple y ELP. ‘Belexes’ es una canción especialmente apreciada por los fans de la banda, y hay buenas razones para ello: poderoso riffs de guitarra, un canto contundente a cargo de un alucinadamente urgente Wals y un compás machacón bien estructurado (Phil Ehart es un verdadero maestro de la batería). En las antípodas de esta canción se halla la balada en clave de vals ‘Lonely wind’: escrita por Walsh, esta pieza refleja muy bien la atmósfera introspectiva de la letra con sus tonalidades a lo Procol Harum.

Si bien el talante progresivo ya está claramente anunciado en los dos últimos temas que se han mencionado, es en las canciones 5, 7 y 8 donde dicho talante queda expuesto de manera plena. ‘Journey from Mariabronn’, todo un clásico de Kansas, es un delicioso e intenso viaje sinfónico, basado en la amistad metafísica entre Narciso y Goldmundo en una de las obras más sublimes de Hermann Hesse. La dupla conformada por los dos temas finales suma casi 18 minutos de duración. ‘Apercu’ explora la temática del preconocimiento desde una perspectiva budista (la religión practicada e investigada por Livegren en aquel entonces), por lo cual no debe extrañarnos la inclusión de un exaltado interludio de corte exótico; el final beethoveniano resulta en realidad una falsa puerta de salida, pues de inmediato engarza con la entrada heavy de ‘Death of Mother Nature’s suite’. Este tema pone una guinda adecuada en la tarta del disco, pues son muchos los picos creativos contenidos en el: los chocantes contrastes entre las partes agresivas y las lánguidas, el etéreo solo de violín en el interludio, los alternados solos de órgano y guitarra en sendos despliegues estilizados, el falso primer clímax con esa guitarra tan pesada e intensa que dirige el ascenso rockero, y luego el segundo y verdadero clímax, donde un aire de esperanza parece surgir de la nada, como anunciando que a fin de cuentas, a pesar de la labor destructiva del hombre, la Naturaleza habrá de prevalecer. Muy bien podemos interpretar este gran final como el anuncio del máximo rebrote musical de Kansas a partir de su siguiente obra "Songs for América"; "Kansas" queda como un muy buen disco debut que deja ciertas tareas pendientes respecto al afinamiento estilístico, que no respecto a la creatividad compositiva ni a la solvencia performativa.

-------------------------------------------------

01. Can I tell you
02. Bringing it back
03. Lonely wind
04. Belexes
05. Journey from Mariabronn
06. The pilgrimage
07. Apercu
08. Death of Mother nature suite

-------------------------------------------------

www.rapidshare.com/files/36143642/1974_Kansas.rar




The Yes Album (1971)


Con "The Yes Album", y con la entrada de Steve Howe al grupo, el experimento que Yes había arrancado dos años antes comienza a tomar forma y con ello surge una visión y una forma de hacer música a un nivel completamente nuevo. A partir de aquí, YES inicia un periodo de gran creatividad, creando álbumes que se conocen como “la secuencia principal”, los álbumes que van de "The Yes Album" a "Going for the One". Con cada uno de los primeros cuatro elementos de esta secuencia, YES logró dar un salto cualitativo en la síntesis de su propia estructura y visión musical. El papel de Steve HOWE es esencial para entender estos cambios, pues al traer a la banda su virtuosismo instrumental y su estilo ecléctico, verdaderamente enciclopédico, Steve jugó el papel de catalizador de la visión que Anderson y Squire ya venían desarrollando.

La secuencia principal de Yes abre en un espacio de gran creatividad y experimentación en la música rock en general, y aunque el rock progresivo ya estaba en pleno ascenso cuando aparece "The Yes Album", con éste Yes también sembró elementos estructurales importantes para la definición del género, en particular, la “descentralización” de la sección rítmica, que es desplazada y distribuida a lo largo de todos los instrumentos; y su compromiso con la “invención armónica”, característica que comparte sobre todo con Genesis y Gentle Giant, y que muchos teóricos consideran como el corazón de la música clásica.

En cierta forma "The Yes Album" es un híbrido entre el rock de avanzada (avant-rock) y el pop experimental. Aunque el álbum contiene tres piezas extendidas (’Yours is no disgrace’, ‘Starship trooper’ y ‘Perpetual change’), estas composiciones siguen siendo una forma ampliada de rock, sin llegar a ser exactamente avant-garde, pues la tonalidad y el ritmo siguen siendo hasta cierto punto convencionales. De hecho, una de las diferencias principales entre este álbum y su antecesor es que "The Yes Album" es mucho más “limpio” que "Time and a Word". Quizá fue indispensable simplificar un poco las estructuras antes de volver a hacerlas complicadas en "Fragile".

El álbum abre con ‘Yours is no disgrace’, que de manera interesante empieza con los mismos acordes y ritmo que ’No opportunity necessary, no experience needed’. Con estos acordes, y sobre todo con el largo y variado solo de guitarra, esta composición es como el escaparate de presentación de Howe La introducción es poderosa, sin llegar a ser asfixiante, como a veces llegaba a ser Peter Banks. Sin embargo, la parte que toca Tony Kaye en el órgano Hammond es bastante convencional, muy en el estilo de John Lord (Deep Purple). Lo que distingue a esta pieza es la dinámica forma de tocar el bajo de Chris Squire. El sonido del bajo se coloca al frente de la banda y guía a los demás. Aquí se puede ver la enorme contribución de Squire al sonido de Yes. Después de la secuencia instrumental inicial, se escucha un órgano tocando armonías como de coro de iglesia, y Jon Anderson empieza a cantar sus versos. El análisis de la letra de ésta y el resto de las canciones está más allá de la intención de esta reseña, y me limitaré a decir que Anderson describe la verdadera tragedia de la guerra de Vietnam, de todas las guerras en realidad, donde el lado agresor cuenta con armas de enorme capacidad destructiva, y el lado invadido solamente tiene a su gente para defenderse. Desde un punto de vista puramente melódico y armónico, esta canción es tan consistente que podría parecer monótona (lo mismo aplica para las otras piezas largas del álbum); aunque la composición es muy compleja, esta complejidad no se basa en la diversidad musical, sino en las variaciones rítmicas y la combinación de diferentes tonalidades sonoras, es decir, en la orquestación. Yes comienza a demostrar aquí que es posible tocar música de rock sin la pesadez sonora de una sección rítmica (bajo-batería) que ancle el trabajo del resto de la banda.

Para continuar con la exposición del “chico nuevo”, el segundo corte del álbum es ‘Clap’, una composición casi country, impecablemente ejecutada en una guitarra acústica con cuerdas de acero. No existe una versión en estudio de esta pieza, la versión del álbum fue grabada en vivo (al igual que la que aparece en el álbum "Not Necessarily Acoustic"). No sé si ‘Clap’ hace sentido como parte de un álbum de Yes. En cierta forma es demasiado alarde del nuevo integrante del grupo, que ya había recibido suficiente exposición en ‘Yours is no disgrace’, pero funciona perfectamente como momento de relajación entre dos de las obras largas del álbum.

En ’Starship Trooper’ se evidencia de nuevo la preocupación de Anderson por cuestiones militares, preocupación que emergerá constantemente a lo largo de todos los álbumes de la secuencia principal. ’Starship trooper’ está dividida en tres secciones, cada una escrita por uno de los compositores principales del grupo (Anderson, Squire y Howe, respectivamente). Excepto por la repetición del tema de la primera parte al final de la segunda, cada sección es independiente de las otras, pero juntas funcionan muy bien. Cada parte tiene una estructura más o menos sencilla; ‘Life seeker’, está enmarcada por la progresión de dos acordes mayores, mientras que el acompañamiento de la mayor parte de ‘Disillusion’ es una guitarra acústica, y ‘Würm’ es básicamente improvisación en guitarra. Lo que hace interesante a esta canción es su contenido lírico y su mezcla de estilos disparejos.

Starship trooper’ y ‘I’ve seen all good people’ comienzan como himnos, pero esta última es quizá más poderosa por el hecho que Anderson la canta a capella. Esta canción tiene una primera parte escrita por Jon (‘Your move’), mientras que la segunda parte (‘All good people’) es de la autoría de Squire. La letra captura muy bien el cinismo del mundo capitalista post-moderno: “I’ve seen all good people turn their heads each day so satisfied I’m on my way” (como diciendo “Hasta la gente buena evade su responsabilidad, así que no me preocupa si yo también lo hago”). El brillante empleo de los contrastes musicales a lo largo de esta pieza subraya la ironía de los versos, de modo similar a lo que ocurre al final de ’Yours is no disgrace’.

Al igual que ‘Clap’, ‘A venture’ es una obra pequeña colocada entre dos piezas extensas, y por lo tanto es fácil subestimarla, aunque en realidad es una pequeña gema. El tema es, de nuevo, el cinismo y la falta de afecto, en esta ocasión en términos de la tentación de escapar del mundo real. Quizá esta sea la canción de Yes que más se parece a la música de The Beatles, en particular por su piano cristalino y misterioso al principio y al final, piano que recuerda el final de ’Magical mystery tour’. En cualquier caso, hay algo mágico y místico en esta canción, en la manera en que surge y se esfuma en la niebla, como un sueño. Aquí Jon no canta, sino que prácticamente declama los versos, como si de un predicador se tratara. La parte de piano con que termina ‘A venture’ no es particularmente compleja, pero es ideal para terminar la pieza. Esta sección es la mejor ejecución de Tony Kaye en todo el álbum, y se podría haber extendido un poco más.

Finalmente, en ‘Perpetual change’, todo el esplendor sinfónico que se sugiere a lo largo del álbum llega definitivamente a su clímax. ‘Perpetual change’ es música sinfónica por su ambición, por su amplio rango de colores instrumentales y por la variedad de expresiones armónicas y rítmicas. Este himno se presenta como una estructura circular que se desarrolla (progresa) hacia delante. Esto es significativo porque de alguna manera se anuncia lo que la banda buscaba crear con su rock experimental, esto es, un “cambio perpetuo” tanto en la música como en los líricos. Tanto Anderson como Squire querían hacer música importante, que funcionara en varios niveles y, sobre todo, que hablara de la condición humana en una manera profunda y poderosa, y con esta pieza, Yes encontraba el camino correcto.

En resumen, con "The Yes Album" Yes creó su primer trabajo totalmente integrado, enmarcado por tres piezas que extendieron la forma de “canción” a un nuevo tipo de concepto. En este álbum la banda buscó estructuras más simples y limpias, alrededor de las cuales organizó todo lo demás: las contribuciones rítmicas de cada instrumento, la letra, los solos, etc. Viéndolo en retrospectiva, esta simplificación fue absolutamente esencial para los desarrollos posteriores. Con este álbum, la banda logró la transición del rock experimental al rock progresivo. Lograron mayor integración que antes, integración que incluye absolutamente todo, el tono general del álbum, el contenido temático de los líricos, la producción (aquí inicia la colaboración de Eddie Offord) e incluso la presentación del álbum. La portada no es obra de Roger Dean, y es significativo que las portadas del primero y el último álbum de la secuencia principal no sean de él, pero el color verde que se empleó simboliza perfectamente la visión del grupo: la preocupación por la tierra y la ecología, la preocupación por llevar ideas y sonidos frescos a la música.

"The Yes Album" fue un paso importante para Yes, y para el rock progresivo. Con este trabajo, la banda llega a su madurez, y empiezan a lograr lo que Anderson y Squire buscaban para el grupo. Impulsados por sus propios ideales y talentos, así como por la energía utópica de aquella época, YES estaba al borde de otro salto cuántico…

-------------------------------------------------

01. Yours is no Disgrace (9:30)

02. The Clap (3:07)
03. Starship Trooper (9:23)
04. I've seen all good people (6:47)
05. A venture (3:13)
06. Perpetual change (8:50)

-------------------------------------------------

www.rapidshare.com/files/137747761/The_Yes_Album.rar

jueves, 18 de junio de 2009

Tarkus (1971)


En 1970, el álbum debut de la banda de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer, a pesar de que los estableció bien como famosos, también generó dudas en el público, pues no creían que la banda tuviera mucha habilidad para la composición de canciones. Estas dudas se disiparon completamente en el año siguiente, 1971, con el lanzamiento de Tarkus.

Este disco aumentó mucho más la fama de la banda, además de que la épica pieza de 20 minutos, que se mantiene como una de las 10 mejores canciones del rock progresivo, venció a "Close to the Edge" de Yes y a "Supper's Ready" de Genesis en ráting, solo por un año.En el formato original, el LP, el "Tarkus Medley" ocupaba todo el primer lado, lo que causó que las canciones del segundo lado fueran un poco olvidadas, pero igual varias de ellas se convirtieron en buenos momentos de la banda. Por ejemplo, "Bitches Crystal", es otra excelente muestra del talento de Carl Palmer para tocar jazz. Otra de las buenas del disco es un número parecido al rock pesado, "A Time and a Place". Este disco, además de ser una de las obras maestras del rock progresivo, es perfecto para los fanáticos del género. No hay canciones con largas interpretaciones de jazz ni baladas acústicas. Todo es verdadero rock progresivo. Aunque Tarkus no pueda ganar en una comparación con Brain Salad Surgery, es un disco que se debe tener en toda colección progresiva.

-------------------------------------------------

1. Tarkus Medley: Eruption/Stones of Years/Iconoclast/Mass/Manticore/Battlefield/Aquatarkus (Emerson, Lake) - 20:42
2. Jeremy Bender (Emerson, Lake) - 1:50
3. Bitches Crystal (Emerson, Lake) - 3:57
4. The Only Way (Hymn) (Emerson, Lake) - 3:48
5. Infinite Space (Conclusion) (Emerson, Palmer) - 3:20
6. A Time and a Place (Emerson, Lake, Palmer) - 3:01
7. Are You Ready Eddy? (Emerson, Lake, Palmer) - 2:09

-------------------------------------------------

Descarga:
http://www.megaupload.com/?d=4vjqru3a

The Lamb Lies Down On Broadway


The Lamb Lies Down On Broadway es sin duda uno de los discos más importantes del rock progresivo. Fue el último disco con Peter Gabriel a la cabeza, y después dar paso al baterista Phil Collins a que tome las riendas de la banda y le de un giro radical.
Todos ya conocemos la historia de Rael, el inmigrante puertoriqueño que arriva a Estados Unidos. Este Disco narra los percanses y hazañas del jóven Rael.
Hay temas que han sido interpretados siempre por Genesis, como The Lamb Lies Donw on Broadway, In the Cage, The Carpet Crawlers. Desde la gira de The Lamb, hasta la gira en Europa de 2007 estos temas han sido interpretados en casi todos sus recitales.
La historia está plagada de seres mitológicos, criaturas extrañas, y sucesos raramente imaginados por alguien, como nos tenia acostumbrado nuestro querido Peter Gabriel en discos anteriores, y que el Genesis fue perdiendo de a poco, aunque nunca del todo.
Lo demás queda a tu criterio, bajalo, escuchalo, y opiná.
--------------------------------------------------
Disco 1:
01. The Lamb Lies Down on Broadway
02. Fly on a Winshield
03. Broadway Melody of 1974
04. Cuckoo Cuckoon
05. In the Cage
06. The Grand Parade of Lifeless Packaging
07. Back in the NYC
08. Hairless Heart
09. Countig Out Time
10. The Carpet Crawlers
11. The Chamber of 32 Doors
Disco 2:
01. Lilywhite Lililth
02. Waiting Room
03. Anyway
04. Supernatural Anaesthetics
05. Lamia
06. Silent Sorrow in Empty Boats
07. The Colony of Slippermen
08. Ravine
09. Light Dies Down on Broadway
10. Riding the Scree
11. In the Rapids
12. It
--------------------------------------------------

Dejo los Dvd's, de la gira y pronto subo de nuevo el Disco, hubo un problema con Rapidshare y me borraron todos los links, de a poco los subo de nuevo a otra
página.
Pass: progjazz
Disco The Lam Lies Down

domingo, 24 de mayo de 2009

Selling England by the Pound (1973)


Sin duda, de lo mejorcito que Genesis ha sacado a la luz. Para mucha gente, es el mejor. Pero hay que reconocer, que "Nursery Crime", "Foxtrot" o "The Lamb Lies Down On Broadway" están en la retina de muchos otros. De lo que nadie duda, es de lo mucho que ésta formación ha supuesto a la música progresiva.
"Selling England By The Pound" cuenta con verdaderas joias, desde el principio hasta el final, como son la hermosa y crítica ‘Dancing with the moonlit knight’, la infravalorada y teatral ‘Battle of epping forest’, la eminencia instrumental de Banks ‘Cinema show’ y por encima de todas, la épica ‘Firth of Fifth’, uno de los clásicos indispensables de la banda. Hablar de Genesis se hace cada vez más difícil, debido a la cantidad de vueltas que ya se le ha dado, rozando peligrosamente, la saciedad... y es que sin duda, el nombre habla por sí solo. Que más se puede decir o hacer, sino caer de nuevo en las mismas alabanzas, que suenan a nostalgia (de los que lo han vivido). La verdad, es que tanta información satura a cualquiera... por una vez, es mejor dejar la literatura de lado, y escuchar un disco, para una vez más disfrutar.
---------------------------------------------------
01. Dancing With the Moonlit Knight
02. I Know What I LIke (In Your Wardrobe)
03. Firth Of Fifth
04. More Fool Me
05. The Battle Of Epping Forest
06. After the Ordeal
07. Cinema Shaow
08. Aisle Of Plenty

---------------------------------------------------

In and Out of Focus (1971)


De los grupos que combinaron elementos de rock y música clásica en la década de los años 70, FOCUS es sin duda el grupo holandés más destacado a nivel internacional. Su inventivo estilo musical, con un rock caracterizado por flautas, destacada guitarra y teclados, definió el sonido progresivo holandés. FOCUS tuvo sus comienzos en 1969 en Amsterdam, con la conjunción del Thijs Van Leer Trio y Jan Akkerman.Thijs van Leer, nacido en 1948 en Amsterdam, tuvo contacto con la música a muy temprana edad. Aprendió flauta guiado por su padre, un experimentado flautista clásico. Años más tarde completó su educación musical en el Conservatorio, donde además de faluta, estudió piano, órgano, composición y arreglo orquestal.Cuando aún asistía a la escuela, Van Leer formó su propio grupo de jazz, con él al piano, pero su primera incursión en el mundo comercial de la música fue en 1967 con Ramses Shaffy, un cantante a quien Van Leer acompañaba con flauta y voces en clubes nocturnos de Amsterdam. En 1969 Van Leer creó su trío, integrado por él (flauta, teclados, voz), Martijn Dresden (bajo) y Hans Cleuver (percusión), que acompañaba musicalmente a cantantes como Shaffy y Liesbeth List, y también interpretaba temas de grupos famosos, como Traffic o The Collectors, o bien temas propios compuestos por ellos; data de aquella época una versión rudimentaria de Anonymous. Pero fue el bajista Dresden, por medio de contactos que tenía su padre en el Conservatorio, el responsable de dos jugadas decisivas que cambiarían el rumbo del grupo. En primer lugar, Dresden se puso en contacto con Jubert Terheggen, de Radio Tele Music (RTM, perteneciente a Radio Luxemburgo), lo cual suscitaría interés en la música de Van Leer. En segundo lugar (y de fundamental importancia), Dresden invitó a un joven guitarrista (aunque ya conocido por el trío) a una sesión de improvisación en el Shaffy Theatre, donde ensayaban. Así entra Jan Akkerman en escena. Nacido en 1946 en Amsterdam, Akkerman comenzó a tocar la guitarra a los cinco años; su padre era guitarrista. También aprendió a tocar el acordeón, alentado por su madre. Añosmás tarde, Akkerman se volcó decididamente a la guitarra, aunque también aprendió teclados y saxo. Cursó sus estudios musicales en el Liceo de Música de Amsterdam durante cinco años, donde había ganado una beca. En su adolescencia sus intereses se volcaron al rock, y a temprana edad tocó en grupos como The Friendship Sextet, The Shaking Hearts, y Johnny and The Cellar Rockers (nombre que luego cambiaría a Johnny and The Hunters, y finalmente a The Hunters). En 1968, Akkerman fue contratado para tocar en la grabación del álbum del vocalista Kazimierz (Kaz) Lux, junto con Pierre van der Linden en percusión y André Reynen en bajo. Fue así como los cuatro formaron el grupo Brainbox, cuyo único álbum fue editado a fines de 1969.Debido a la participación de Akkerman con el Thijs van Leer Trio, el representante de Brainbox, John van Setten, despidió a Akkerman de Brainbox. Akkerman se integró al trío, y el cuarteto adoptó el nombre FOCUS.En 1970, FOCUS fue contratado para la interpretación musical de la obra Hair (muy representativa de su época) en Holanda, como miembros principales de una orquesta de nueve músicos. En el álbum de la versión holandesa de Hair se escucha a Van Leer, Dresden, Cleuver y Akkerman juntos por primera vez.Los cuatro músicos iniciaron una gira de seis meses, y ese mismo año grabaron su álbum debut titulado Focus Plays Focus, con pistas vocales e instrumentales; House Of The King (compuesto por Akkerman en España) y Anonymous son los temas más destacados. Sin embargo, se vendieron sólo 8.000 copias del álbum; técnicamente la calidad dejaba mucho que desear. Al principio se lanzó sólo en Holanda, pero dada la creciente popularidad del grupo, para darle mayor distribución el álbum fue reeditado en Londres ese mismo año con el título In And Out Of Focus, producido por Hubert Tereggen.House of The King fue un éxito y se mantuvo varias semanas en el ranking holandés. FOCUS aún no tenía bien definida su orientación musical, inclinada a veces hacia el estilo más clásico del Thijs van Leer Trio, y otras a la guitarra predominante de Akkerman.Al cabo de unos pocos meses, Akkerman se rehusó a seguir con Dresden y Cleuver, decidió llamar al percusionista Pierre van der Linden (con quien había tocado en Johnny and The Cellar Rockers, TheHunters y Brainbox) y dio a elegir a Van Leer entre seguir con ellos o quedarse con su trío; Van Leer optó por seguir con Akkerman y Van der Linden. También invitaron a Cyril Havermans como bajista y vocalista.Pierre van der Linden, nacido en 1946 en Amsterdam, comenzó con percusión desde muy pequeño; inicialmente fue autodidacta pero luego tuvo la guía de Louis De Heer, percusionista de la Orquesta Sinfónica de Ópera de Holanda. Sus primeras influencias fueron Miles Davies, Elvin Jones, Charlie Parker y John Coltrane, entre otros. Por su parte, Cyril Havermans había participado en Hair e integrado los grupos Big Wheel, The Heralds y Spatial Concepts. Fue convocado principalmente por su capacidadcomo vocalista y compositor, más que como bajista.
-----------------------------------------------------
Temas
1 Focus...(Vocal) 2:43
2 Black Beauty 3:08
3 Sugar Island 3:05
4 Anonymus 7:00
5 House of the King 2:24
6 Happy Nightmare (Mescaline) 3:58
7 Why Dream 3:59
8 Focus (Instrumental) 9:44
-----------------------------------------------------

martes, 19 de mayo de 2009

This Was (1968)


Es un álbum con marcados rasgos de blues y jazz, muy diferente a los siguientes álbumes de la banda.
A pesar de haber sido grabado con un presupuesto muy bajo (tan sólo 1200 £), en general recibió críticas favorables y tuvo un relativo éxito comercial.
El guitarrista, Mick Abrahams, dejó la banda poco después del lanzamiento del álbum en Estados Unidos por desavenencias con Ian Anderson sobre el estilo musical que debería seguir el grupo y sobre el liderazgo del mismo. Abrahams deseaba que Jethro Tull siguiera haciendo un tipo de música cercana al blues.
Este disco incluye la única canción de Jethro Tull que no está cantada por Ian Anderson, "Move On Alone", y que está interpretada por Mick Abrahams. Contiene una versión del tema jazzístico "Serenade to a Cuckoo", de Roland Kirk, músico cuya técnica de flauta (la denominada percusión de boca) influiría totalmente en el personal estilo de Anderson.
"Cat's Squirrel" sería más tarde interpretada por la banda que Mick Abrahams formaría después, llamada Blodwyn Pig.
La famosa portada del disco presenta a los miembros del grupo caracterizados como ancianos mendigos. Los Jethro Tull ofrecerían esta imagen durante los primeros años en sus conciertos en directo.
Como anécdota, el tema "Beggar's Farm" ("La granja del mendigo") se puede oír como fondo musical sobre el escenario en el reportaje filmado sobre el legendario concierto de Woodstock.
El título del álbum, This Was, se le ocurrió a Ian Anderson, y con él quiso declarar que el sonido de blues que presentaba el disco reflejaba sólo un estadio temporal de lo que iba a ser el futuro estilo de la banda.
En 1999, Mick Abrahams, que había formado con antiguos miembros de los Tull un grupo también denominado This Was, lanzó al mercado, This Is!, una nueva versión del álbum original de los Jethro Tull. El disco recibió duras críticas por parte de los seguidores de Jethro Tull, aunque recibió el apoyo del mismo Ian Anderson.
De estas tempranas fechas de 1968 podemos ver el primer videoclip de los Jethro Tull interpretando el tema A Song for Jeffrey dentro del espectáculo Rock And Roll Circus, de los Rolling Stones.
El guitarrista que vemos en el mismo es Tony Iommi, quien sustituyó a Mick Abrahams tras la marcha de éste, y, en los escasos diez días que permaneció en el grupo, pudo grabar dicho vídeo con la banda.
-----------------------------------------------------

1. My Sunday Feeling - 3:42
2. Some Day the Sun Won't Shine for You - 2:49
3. Beggar's Farm - 4:20
4. Move On Alone - 1:59
5. Serenade to a Cuckoo - 6:11
6. Dharma for One - 4:16
7. It's Breaking Me Up - 5:05
8. Cat's Squirrel - 5:44
9. A Song for Jeffrey - 3:23
10. Round - 0:49
-----------------------------------------------------

Banco del Mutuo Soccorso (1972)


Si existe un grupo italiano que es muy conocido a nivel internacional, después de Premiata Forneria Marconi (PFM), es Banco del Mutuo Soccorso (BMS) uno de los grupos fundamentales del Progresivo. Este grupo proveniente de la ciudad de Roma es de los mejores ejemplos del desarrollo del rock Progresivo italiano y también uno de los mejores grupos que hayan surgido del rock Progresivo mundial, su música es conmovedora y de delicado y fresco misticismo, así como de un cromatismo exacerbado. No hay duda de que la música de Banco tiene desarrollo muy clásico, temas profundos y con matices extraordinarios, y una extremada profesionalidad en los músicos que integran a este gran grupo y que son: Gianni Nocenzi .-clarinete, piano, Teclados, Flauta Piccolo , Vocales, Pier Luigi Calderoni .- Batería, Renato D'Angelo.- Bajo y Guitarra, Francesco Di Giacomo .- Vocales , Vittorio Nocenzi .- Órgano, Clarinete, Teclados, Vocales y Marcello Todaro .- guitarra, vocales, guitarrón.
Banco ha sido siempre un pilar del Progresivo en Italia , prácticamente se encontró presente en todos los festivales de rock Progresivo que se organizaron en principios de los 70’s como el Villa Pamplihi o el Caraccalla y al lado de los grandes grupos italianos de aquellos años como PFM, Osanna, New Trolls, Le Orme y Balleto di Bronzo, solo por nombrar algunos. Su sonido del grupo es muy característicos por el uso de doble teclado, cortesía de los hermanos Nocenzi, quienes estudiaron música clásica y es de notar ya que dominan a la perfección la técnica contrapuntística y los largos desarrollos armónicos, son músicos de espontaneidad fértil y conocimiento enciclopédico y sin duda de los mejores tecladistas que haya dado la música moderna.
Antes de pasar al análisis de la grabación que nos ocupa, quiero hacer mención del vocalista de este grupo Francesco Di Giacomo a quien considero una de las voces más características del rock italiano, su estilo de cantar es de los mejores que haya escuchado en toda mi vida, vocalista poderoso, con una voz privilegiada y que sabe transmitir el sentimiento que contiene la melodía, con ritmos desgarradores y al mismo tiempo melancólicos, un artista en constante evolución y que no sacrifica la arquitectura melódica y se afirma un temperamento tempestuoso y un maestro virtuoso en el arte de las vocalizaciones.
Es este su primer disco titulado del mismo modo que el grupo (BMS) y que es una de las joyas Progresivas del rock hecho en Italia de principios de los años 70’s. y que junto al primer disco de PFM, considero que son de los dos más poderosos discos debuts que hayan salido en ese año por (gran año por cierto para el rock italiano), y fundamentales si se quiere conocer el desarrollo del genero Progresivo en este país. La multiplicidad de ritmos, el color que les imprimen a las composiciones, los armonías difíciles y laboriosas, los ritmos extraños y disonantes, son poemas acabados que valen por su amplio aliento, su noble emoción sus líneas ya planas, ya móviles su expresión generosa aquí y contenida allá, su atmósfera nostálgica y a veces agresiva, creada por la parte de la instrumentación, rica en musicalidad y poderosamente evocadora.
El bajo de Renato es poderoso y sublime, discreto y taciturno a la vez, pero eficaz y sobrio en momentos de gran tensión musical, no hay duda que es de los bajistas menos reconocidos, pero si de los más diestros y con un gran sentido del acompañamiento y la improvisación (escuchen el pasaje de Metamorfosi minuto 4:20 en adelante). Calderoni lo considero de los mejores bateristas que haya dado el Progresivo, con un extraordinario instinto en aplicar los más disonantes ritmos que uno se hubiera imaginado y los aplica con la gracia del maestro y se afirma como un grande en hacer minuciosas pero efectivas tonalidades percutidas, con grandes redobles y con registros de hasta ritmos de 6/8 y con cambios sorprendentes, ritmos colosales y manejo de una melodía expresa.
La guitarra de Marcello es de las mejores que haya escuchado y que realizo una extraordinaria labor tanto en este disco como en el “Darwin!” (segundo disco de BMS) Y una parte del “Io Sono Nato Libero”. Músico preciso, teje grandes acordes y melodiosas líneas en su guitarra, tanto eléctrica como acústica, armonista consumado, (escuchen el delicioso y delicado pasaje de guitarra en Il Giardino del Mago minuto 10:30 ) con un gran sentido por la tonalidad y evitando el uso de los riffs genéricos del rock, opta por tocar a la manera de los grandes madrigalistas y laudistas ingleses, posee la entonación armónica mas sofisticada y con un toque mediterráneo que brinda frescura y gracia, no exenta de pasajes agresivos donde demuestra su potencial.
Antes de pasar a las canciones, quiero resaltar el punto acerca de la producción del disco, a mi me parece una producción muy aceptable en cuanto a sonido, (similar a esos discos del sello Vértigo) si se pudo hacer mejor pero es bastante disfrutable la sonoridad integra del disco, es cierto también que se oyen muy al frente los teclados de los hermanos Nocenzi, y en ocasiones la voz de Francesco se oye muy bajo en la mezcla. Pero creo que estos problemas mínimos se solucionan haciendo una buena ecualización en el aparato donde se este escuchando, para verdaderamente disfrutar esta maravillosa obra de arte que es su primer disco, capital en la discografía italiana de cualquier melómano Progresivo.
1.- In Volo.- El tema que abre este esplendido disco de BMS consiste en un ejercicio polifónico acompañado de efectos de sonido parecidos a lo que supongo sonaría o como una luciérnaga metálica o a un OVNI, y un dialogo entre Francesco y Vittorio, acompañado de flauta, bajo y una muy pero muy discreta batería de Calderoni, y con un sentimiento un poco medieval, por el uso de la flauta y este dialogo esta inspirado en un poeta poco conocido de Italia llamado Ludovico Ariosto (poco conocido aquí en México, claro) es una canción extraña y la voz de Digiacomo parecería de un locutor o narrador de algún programa o libro fantástico, y lo más notorio es ese efecto de “coro” que asemejan a unos niños, pero que es un efecto también de los teclados de Nocenzi, una canción que aparenta no tener un ritmo y que sonaría para muchos como una introducción de lo que viene. Buena (si gustas de los diálogos en italiano).
2.- R.I.P. (Requiescant in Pace).- Una de las canciones icono del grupo y que contiene todos los elementos por los cuales BMS es reconocido, los largos temas, la multiplicidad de notas musicales, los cambios de ritmos, el fraseo virtuoso , el compás energético, la voz poderosa y el teclado sumamente fértil e imaginativo, Gianni nos deleita con esas notas emanadas de su piano y ejecutadas puntillosamente y que no teme las armonías duras combinado con pasajes de belleza incalculable; el ritmo de Calderoni es sostenido de una manera ágil, (6/4) pero sin ser protagonista, con redobles flexibles pero exactos, la guitarra de Todaro es simplemente genial, trazos jazzisticos, pintor tonal de la guitarra, alterándola con un efecto de su guitarra haciendo que se escuche con una especie de urgencia melancólica bien estructurada, el teclado de Vittorio es único combinando el sonido de su órgano Hammond , con un moog discreto y que en partes se escucha misterioso y belicoso, el bajo de Renato es rico en a entonación melódica, sosteniendo el ritmo y hablando un lenguaje pausado, la voz de Francesco es simplemente extraordinaria! Pagina nostálgica y soñadora y con un todo de perfección inigualable. Trasmitiendo todos los sentimientos posibles, y que revela los atrevimientos y las bellezas de la música Progresiva, sobre todo al final de la canción, trasmite un sentimiento de abatimiento que en verdad pone los pelos de punta y atraviesa hasta el corazón más duro, acompañado de un piano sugestivo y una flauta con sonidos diseminados, para pasar inmediatamente a una secuencia de órgano tocado de forma muy fulminante y a un piano que termina la canción de forma fenomenal. No hay duda que esta es verdaderamente una de las canciones más representativas de Banco y de lo mejor en el disco. Excelente.
3.- Passaggio.- Una especie de entreacto tocado por Vittorio con un tema básicamente enraizado en la tradición clásica italiana, muy evocador y bucólico y de paso demostrando el genio que posee en el teclado por parte de Nocenzi. Tocando lo que parece una espineta o un clavicordio y aparentando entrar y salir de un cuarto. Es una pequeña obra de maestría en el arte de la melodía pura y no hay duda que la línea melódica seduce el espíritu, y si se fijan estas notas son similares a lo tocado en el resto del álbum, no reproducida de forma igual, pero si con ciertos elementos semejantes. Es una investigación afligida de un sonido perdido. Muy Buena.
4.- Metamorfosi.- La pieza musical que considero “cajona”, es una obra de inigualable musicalidad y que con una arquitectura sólida , con una instrumentación rica, oculta, de imaginación sorprendente, de sentimiento muy inspirado y con melodías intensamente poéticas, hasta ahora sigue siendo una de las construcciones más perfectas del genero Progresivo, con paletas sonoras amplísimas y riqueza de estilo sorprendente, no hay duda que Banco son músicos de una creatividad realmente prodigiosa, y revela a Vittorio como sabio contrapuntista y siempre cuidadoso del plan de la obra musical, se muestra arquitecto y cree en la primacía de la forma y del fondo y exige incluso una logica de la fantasía. Músico genial el piano de Gianni embellece toda la canción de una manera muy elegante y definida, es un drama punzante donde el Nocenzi afirma su maestría, y su grandeza,. La voz e DiGiacomo es poderosa y dramática al punto operístico y que brilla como la llama chispeante. El bajo de Renato se revela al oyente como un bajista inspirado y que sabe tomar las riendas del ritmo cuando es exacto, músico audaz y buscador de nuevas sonoridades y aunado con el instinto de la forma y del relieve. La batería de Calderoni brilla por su libertad de ritmo y que anima con nuevo aliento la música, percusionista tremendo y colosal. La guitarra de Todaro es poderosa y sublime, contrapunteando al teclado y al piano de los Nocenzi, y sobresaliendo por elaborar notas poderosas y frescas con el uso prudente de un efecto “overdrive” , no hay duda que es un maestro de la guitarra. Con sus casi 11 minutos de largo esta canción empieza con un contrapunteo entre la guitarra de Marcello y el piano de Gianni, acompañados por el bajo de Renato, el teclado de Vittorio y la batería de Calderoni, con un ritmo sincopado (6/5) pero muy enérgico, para pasar a uno de los solos de piano por parte de Gianni más conmovedores que he escuchado, muy idílico y solitario, poseedor de una melancolía implícita en la ejecución me hace recordar a compositores clásicos como Beethoven o Chopin, poema profundo, intimo en los que quizá puso lo mejor de su corazón por medio de una forma siempre en renovación. Uno de mis pasajes favoritos en una canción favorita! Una serie de notas sincopadas de melodía misteriosa del moog de Vittorio irrumpe y una serie de sonidos que suenan caóticos por parte de la guitarra de Todaro, mientras Vittorio y Gianni tocan frenéticamente el teclado y el piano respectivamente, mientras que Calderoni lleva un ritmo rapidísimo, dando una sensación de vértigo al escucha , repentinamente vuelve a la calma en el minuto 3:23, con un discreto solo de teclado de Nocenzi, tocado acompasadamente, no hay duda que es un pintor de la música que aplica una estética refinada y solo escuchen ese bello pasaje del minuto 3:30 al 3:57 , increíble y onírico a la vez. Para después pasar a una parte más energética, Renato tocando en su bajo “oscuro” las notas misteriosas del teclado, mientras que Calderoni nos sorprende con un ritmo inusual y se crean por parte de Todaro y Vittorio un dialogo de sorprendente riqueza melódica. A partir de minuto 5:09 vuelven al dialogo inicial (y principal) por parte de Marcello y Vittorio, no hay duda que la música de Banco del Mutuo Soccorso anima un sentimiento místico a veces y uno dramático.
Después vuelve un cambio de ritmo que se impone con el bajo de Renato y unos solos esparcidos del piano de Gianni y el teclado de Vittorio, creando una especie de transición hacia un ritmo más lento y más suave, la guitarra de Marcello brilla por su tonalidad, por su gracia sentimental y mediterránea, y da paso a la sereña voz de Di Giacomo que nos vuelve a estremecer con sus registros bajos y altos. Afirmando una vez más que es un gran vocalista, que canta las piezas musicales con soltura y con un estilo animado y conmovedor. La canción finaliza con un ritmo apresurado, similar al de RIP, con un excelente ritmo de Calderoni, y Vittorio nos receta unas armonías elaboradas y que se escuchan sumamente Progresivas, unos acordes excelentes y pesados de la guitarra de Todaro, y finaliza la obra con unas vertiginosas melodías al piano de Gianni, en fin una de las mejores y mas acabados ejemplos de un rock Progresivo combinado con mucho clasicismo y demasiado cambios rítmicos considero que es la mejor canción del disco. Excelente.
5.- Il Giardino del Mago a) ...passo dopo passo... b) ...chi ride e chi geme... c) ...coi capelli sciolti al vento... d) Compenetrazione .- La canción más larga del disco y que se encuentra dividida en cuatro partes, una obra a ratos muy abstracta, con largos trabajos de teclado y piano por parte de los hermanos Nocenzi, excelente guitarra de Marcello y un bajo firme, con notas fundadas en la escala cromática por parte de Renato y una batería por parte de Calderoni, que a mis oídos es de lo mejor que he escuchado en mi vida, la voz de Giacomo fluye de una forma fogosa a una forma melancólica o trepidante en cuestión de minutos, demostrando que es un asombroso genio de la forma, el ritmo y la melodía.
La obra que considero “épica”, por su longitud y su concepto, se divide en 4 partes, la primera a) ...passo dopo passo... Empieza con un misterioso órgano tocado por Vittorio y que es como si fuera desvelando un lugar de ensueño y en penumbra, acompañado de un piano ascendente y descendente al fondo y un ritmo acompasado de Calderoni y un bajo que se limita a acompañar el tono de la melodía. Y apareciendo unos coros por parte de los Nocenzi. En el minuto 2:09 aparece la guitarra de Todaro tocando las notas musicales principales de una manera furiosa, con un efecto “overdrive” y en el minuto 2:52 se vuelve a repetir el ciclo musical, pero ya con la presencia vocal de Di Giacomo acompañando la melodía con un tratamiento vocal que simula, al principio, un lamento pero que después va tomando fuerza vocal y con muy buena factura musical. También reluce un clavicordio al fondo y que supongo es tocado por Gianni. “e passo dopo passo con le spine ormai nei piedi tanto stanco stanco.” nos lleva a la segunda parte.
b) ...chi ride e chi geme... Principia esta parte con un ritmo dinámico por parte del grupo, Todaro utiliza de manera muy inteligente la guitarra, evitando usar los genéricos “riffs”, sustituyéndolos con acordes efectivos y melodiosos, la batería de Calderoni lleva un ritmo fundado en 18/8 que este gran maestro de las percusiones domina sin problemas, y resalta el dialogo que se hace entre Di Giacomo y los hermanos Nocenzi, y donde estos demuestran sus dotes vocales, sin embargo palidecen ante la potencia y firmeza de la impresionante voz de Di Giacomo, lo bueno es que lo compensan con su velocidad, empuje y sentido contrapuntístico en los pianos y teclados, el bajo de Renato va construyendo melodías agradables y sosteniendo la estructura primaria de la canción. Después de la parte del dialogo, Vittorio y Gianni nos muestra la capacidad y velocidad que poseen en ambas manos y juntos van tejiendo sendos solos de teclado de manera, casi orgiástica, como si quisieran acabarse el teclado, notables improvisadores y a quien su imaginación creadora parece no tener limites y después de un pequeño pasaje de tipo “Floydiano”, pasan a la tercera parte.
c) ...coi capelli sciolti al vento... Inicia terminando el pasaje “Floydiano” con una notas de Gianni, quien posee una inspiración en las grandes compositores del piano y que va construyendo las líneas principales de esta parte, aparece la voz de Francesco de forma elegante, y va deslizándose de manera gradual en la melodía de la canción y el clarinete de Vittorio acompañando con notas desperdigadas. Un pasaje musical de mucha belleza sugestiva y escucho la música similar a los madrigalistas italianos del siglo XVI. Hace presencia la guitarra acústica de Todaro tocando unos elegantes arpegios, lo que le da todavía una mayor connotación mediterránea, creo que son músicos extraordinarios y de gran maestría polifónica y destaco ese dialogo entre la guitarra de Marcello y la voz de Di Giacomo que es realmente muy melancólico y recrea una atmósfera tornasolada y misteriosa, propio de espíritus elevados y sublimes.
A partir del minuto 11:14 el bajo de Renato nos acelera el ritmo de manera vertiginosa y seguido de la batería de calderoni y la guitarra (eléctrica) de Marcello, comienza un breve solo de clarinete ejecutado por Gianni, e inmediatamente empieza un trepidante solo de teclado Hammond por parte de Vittorio que demuestra su técnica certera, audaz e improvisadora, y que el Clarinete de Gianni va persiguiendo a través de la canción. Eventualmente el grupo va elevando la música a un pathos de sublime hechura y finura, mientras Calderoni va manteniendo un ritmo muy apresurado y constante, alternado percusiones y terminando con un duro redoble de un timbal.
d) Compenetrazione.- La ultima parte de esta gran obra “homérica” de este excelso grupo italiano, empieza por recrear el pasaje tocado con inspiración madrigalesca, en la tercera parte, me parece como una especie de exposición de los opuestos , la gran guitarra de Todaro brilla por su forma su finura y su inspiración sonora, los teclados de los hermanos Nocenzi se sitúan en la cúspide de la melodía y la voz de Di Giacomo navega por las aguas de la inspiración poética., afirmando que es un músico que es capaz de conmover y que esta dotado de una rara intuición del timbre y sensibilidad majestuosa.
En el minuto 15:37, cambia la dinámica musical, apareciendo la sólida guitarra de Marcello y el bajo de Renato, recreando la temática de la primera parte de esta “epopéyica”, obra , con intervenciones muy precisas de Vittorio en los teclados y que le da buena alternancia al tema musical, a partir del minuto 16:55 vuelven al ritmo de 18/8, donde el grupo demuestra que su concepto musical esta enraizado firmemente en las entrañas del rock Progresivo y que el desarrollo clásico y su constante búsqueda de las sonoridades más sutiles crearon esta obra maestra que vale por su desarrollo armónico, su temática compleja y sus pasajes de belleza incontestable.
6.- Traccia.- La ultima pieza musical del grandioso disco de Banco del Mutuo Soccorso y también de las más conocidas por los aficionados al grupo. Es un desarrollo contrapuntístico de nivel muy complejo, sobre todo si se pone especial atención entre el trabajo del teclado y el piano de los Nocenzi, y como la batería de Calderoni va construyendo complejos poli ritmos a través de furiosos redobles y entre los rapidísimos pases del piano y los teclados, el bajo de Renato se ancla en ritmo de 6/8 y que le da a la obra, solidez y estructura amplia. La guitarra de Marcello aparece tardíamente, pero lo hace con un genial fraseo de guitarra e inmediatamente se coloca junto al bajo, dándole una potencia adicional al ritmo que va marcando Renato. Adornada con coros, cortesía de los Nocenzi, y que le da un marcado acento de medievalismo italiano, combinado con un rock progresivo muy energético, finalizando con un órgano al mas puro estilo de J. S. Bach.
Esta es una de las obras más completas y complejas que haya escuchado del rock Progresivo mundial, verdaderamente es impresionante lo que el grupo realizó en este disco y que demuestran una libertad de ritmo, un carácter y un dramatismo que animó con un nuevo aliento al rock Progresivo. Sus grandes emociones, sus líneas, su fuerte evocación, y donde se afirma un temperamento poderoso y una maestría absoluta en la música que dejan como testimonio este gran álbum.
-----------------------------------------------------
1.In Volo
2.R I P
3.Passaggio
4. Metamorfosi
5. Il Giardino Del Mago
6. Traccia
-----------------------------------------------------

lunes, 11 de mayo de 2009

Storia di un Minuto (1970)


En 1971 se grabó el primer disco de “La P.F.M.” estupendo quinteto progresivo de Italia que hasta el día de hoy persiste, obsequiando al mundo sus obras musicales.
Este primer trabajo transita por un terreno semejante al que Genesis propuso en Nursery Crime y King Crimson en In The Court of the Crimson King, con la diferencia de que Premiata incluye en su formación un violinista -en ese entonces, el gran Mauro Pagani- y no un saxofonista, como aquella primera encarnación de Crimson.
Como elemento extra, la banda agrega el sentimiento propio, proveniente del folklor y la música clasica italiana. El álbum resulta ser altamente progresivo, pero tambien pastoral y altamente estético. Una piedra angular del Rock progresivo italiano
-----------------------------------------------------
Introduzione
Impressioni Di Settembre
E' Festa
Dove...Quando... (Pt. 1)
Dove...Quando... (Pt. 2)
La Carrozza Di Hans
Grazie Davvero
-----------------------------------------------------

Genesis - Supper's Ready (Parte 1)