miércoles, 27 de agosto de 2008

Noticias Rock Progresivo




Seis horas de un genio

Neal Morse - ''Sola Scriptura & Beyond' (15 julio 2008)Radiant Records / Inside Out
De nuevo ante nosotros una nueva entrega de este genio multiinstrumentista, a veces incomprendido, pero siempre admirado (no es para menos, pues pocas personas pueden presumir de una treintena larga de discos en apenas trece años). En esta ocasión, regresa con un doble DVD, en el que, a lo largo de seis horas, representa íntegramente sus dos últimas propuestas de estudio (“Sola Scriptura” y “Question”), acompañadas de perlas imprescindibles de su carrera en solitario, así como de Spock’s Beard y Transatlantic.
Neal aparece acompañado de una jovencísima banda de la que, desde este mismo instante, tengo que decir que superan con creces la ardua tarea de suplir e interpretar temas originarios de grandes del género como Mike Portnoy o Paul Gilbert. De entre todos destaca el joven guitarrista Paul Bielatowicz, con una técnica y estilo depuradísimos, que en los solos brilla con luz propia, consiguiendo eclipsar por momentos a la estrella absoluta, Mr. Morse. Tan solo la batería de Collin Leijenaar (que además hace las veces de ingeniero de sonido y mezclas en este trabajo, junto con el propio Neal) suena un tanto artificial, hueca, aunque perfectamente acoplada al sonido de la banda.Entrando en materia, vamos a encontrar dos DVD’s. El primero y principal contiene el concierto celebrado el 26 de mayo del pasado 2007 en Zoetermeer, Holanda, en la que fue la gira europea de presentación de su último disco, “Sola Scriptura”. En una pequeña sala, llena hasta la bandera (envidia absoluta es lo que siento, ya que en España suena impensable que un promotor apostara por traernos a este genio y otros de su altura), fueron desgranándose uno a uno la totalidad de temas que integran el disco, salpicados de auténticas joyas de su andadura en solitario, como la que abre el concierto “The Creation” (“One”), o el medley formado por temas de su excelso “Testimony” y la primera mitad de su obra “Question” (brillantísima la ejecución de “Temple of the Living God”, sin duda alguna uno de los momentos más álgidos del show) . Así mismo, encontraremos un par de guiños a “Snow”, el álbum de consagración de Spock’s Beard y la inconmensurable “We All Need Some Light” de su etapa con Transatlantic (siento especial debilidad por este proyecto, uno de los más grandes de la historia del progresivo moderno). En total, casi tres horas de rock progresivo con mayúsculas, a veces melancólico, por momentos (escasos, eso si) metálico, y siempre exquisito.
Ni que decir tiene que en todo momento el absoluto protagonista es Neal, en el centro del escenario con su teclado, con una voz en pleno estado de forma y siempre secundado de manera brillante por esta joven banda que, a mi entender, son la auténtica joya escondida del directo. Una vez más se demuestra que, para ser un gran músico, tan solo es necesario sentir y amar la música, más allá de tener un nombre o una banda en tu haber, que en muchas ocasiones es más un lastre que una ventaja. Y estos músicos, si bien desconocidos, muestran una soltura y un deleite por su oficio, que en muy pocos ejecutores modernos veo sobre el escenario.Del segundo DVD, presentado como Bonus Disc, tan solo puedo comentar su contenido, pues desgraciadamente no nos han hecho llegar copia. Primeramente podréis encontrar un documental, ya habitual en todo DVD que se precie, con escenas del tour, el bus de gira y el backstage. Para completar el disco, y hacerlo verdaderamente imprescindible, se incluye un segundo concierto, grabado en Berlín durante la gira del 2006 con el disco “Question” bajo el brazo. Aquí encontraremos el resto de este álbum no interpretado en el primer DVD; y de nuevo temas de Transatlantic; de su disco en solitario “One”; y especial presencia del disco “Snow” con Spock’s Beard, del que nos muestran hasta cinco temas.En total, seis horas de material, con una realización modesta pero magníficamente adaptada a las limitaciones de una pequeña sala, y que no hace sino dejarnos con la miel en los labios por no haber disfrutado de un espectáculo así en España. En breve estará de vuelta con un nuevo disco de estudio, por lo que empezaremos ya a poner velas a nuestro santo más querido para que nos conceda el deseo de verle en alguno de nuestros escenarios.

DVD 1:

01. The Creation
02. Open Wide The Flood Gates
03. Sola Scriptura, Part I
04. Sola Scriptura, Part II
05. Question, Section ,A Temple Of The Living God, Another World, Outsider, 12, Entrance, Inside His Presence, Temple Of The Living God
06. TestimedleyOverture N°1, California Nights, Colder In The Sun, Somber Days, Sing It High, Calm Before The Storm, I Am Willing, To Feel Him, Rejoice, God’s Theme
07. We All Need Some Light
08. Wind At My Back

DVD 2:

01. Behind The Scenes
02. Bridge Across Forever
03. Question, Section BSweet Elation, In The Fire, Solid As The Sun, The Glory Of The Lord, Outside Looking In
04. Help Me
05. King Jesus
06. Reunion
07. Encore Medley: a) We All Need Some Light b) Open Wide The Flood Gates c) Open The Gates, Part II d) Solitary Soul e) Wind At My

BackMúsicos: Neal Morse: voz, guitarras y teclados.
Elisa Krijgsman: guitarras y coros.
Wilco van Esschoten: bajo y coros.
Jessica Koomen: teclados y voces.
Collin Leijenaar: batería.
Henk Doest: teclados.
Paul Bielatowicz: guitarra y voces.

Dream Theater regresa con un doble DVD de su gira

Los seguidores del grupo neoyorquino están de enhorabuena. Llega una novedad discográfica de auténtico lujo: 'Chaos In Motion 2007/2008'.
Su sello actual, Roadrunner Records, ha anunciado para el 23 de septiembre la aparición de un nuevo DVD, que será doble, de los Dream Theater. Se trata de una recopilación de su gira mundial -que pasó por España y Latinoamérica-, y se publicará en América y Europa.Para los más 'aguerridos', el sello les sirve una edición especial con el doble DVD y triple CD. De momento, les contamos cómo es el doble DVD en la edición normal:

DVD 1:"Around The World In 180 Minutes" - Live Concert Footage
01 Intro/Also Sprach Zarathustra
02 Constant Motion
03 Panic Attack
04 Blind Faith
05 Surrounded
06 The Dark Eternal Night
07 Keyboard Solo
08 Lines In The Sand
09 Scarred
10 Forsaken
11 The Ministry Of Lost Souls
12 Take The Time
13 In The Presence Of Enemies
14 Medley:I. Trial Of TearsII. Finally FreeIII. Learning To LiveIV. In The Name Of GodV. Octavarium

DVD 2:"Behind The Chaos On The Road" - DocumentalPromo
.Videos:Constant Motion,
.Forsaken
.Forsaken (en estudio)
.The Dark Eternal Night (en estudio)
.Live Screen Projection Films:The Dark Eternal Night (N.A.D.S)
.The Ministry Of Lost Souls
.In The Presence Of Enemies Pt. 2"Mike Portnoy Stage Tour""Mike Portnoy Backstage
.Tour"Photo GalleryDeluxe Collector's Edition
.5-Disc Set

El nuevo disco de Marillion, sólo disponible en Internet

Sólo un año y medio después del discreto pero más que cumplidor álbum ‘Somewhere Else’, Marillion regresa al mercado discográfico con novedades. Es realmente pronto teniendo en cuenta las pocas prisas que se gastan estos genios para hacer nuevas grabaciones en estudio. Su título parece que guiño a sus giras pero no debe llevar a equívoco: no es el nombre de un ‘live album’, sino el de su nuevo trabajo discográfico: ‘Happiness is the Road’. Saldrá al mercado el 20 de octubre de este 2008.
El nuevo disco será un doble CD e incluye el single que ya está circuladno gratuitamente por la Red: ‘Whatever is Wrong With You?’. Se publicará en otoño de este 2008 y sólo se podrá adquirir con pedido previo en la web oficial del grupo (
http://www.portalesquizofrenia.com/cms/www.marillion.com/preorder), parece que siguiendo en la dinámica de torpedear al mercado tradicional, como hicieron con ‘Marbles’ (2003).El álbum ya número 15 de Marillion estará dividido, a tono con la división física de dos discos, en dos volúmenes: el ‘Volumen 1’ llamado ‘Essence’ y el ‘Volumen 2’, llamado ‘The Hard Shoulder’. El mismo grupo comenta que “la grabación continúa siendo brillante”, y que “los nuevos temas que escribimos han ‘noqueado’ a las pocas personas a las cuales se las hemos mostrado”. Van dando ganas a sí a sus miles de seguidores. También añaden una pista en su sitio en Myspace: El volumen 1 se trataría de “un viaje temático”, algo conceptual. Por contra, el volumen 2 es “una colección de canciones discretas”. Esperamos que no demasiado discretas. Lo cierto es que el adelanto, ‘Whatever is Wrong With You?’, no es ninguna maravilla. Un medio-tiempo algo mediocre al estilo de lo que han hecho en los últimos discos. Claro que, a los marillinianos, nos ha gustado, creo… De hecho, está incluido en ese segundo CD de canciones "discretas", como las llaman ellos.
En realidad, Marillion recurre a este guiño contra el mercado porque no sólo es que no crea en él, sino que está ‘over’ para ellos. Sólo lo venderán para fans para evitar el dinero que se pierde en la producción y distribución a través de las casas discográficas porque las ventas en comercios apenas les permite disfrutar de beneficios económicos que merezcan la pena. Malos tiempos para la música de pago y mucho más para la música que no disfruta de masas, como es el rock progresivo.Otro gesto para convencer a sus fans es que incluyen su nombre, como pasó con ‘Anoraknophobia’, a quienes compren la edición de lujo. También se pueden adquirir por separado los dos CD.ConcursoLa banda, además, da 5.000 libras esterlinas a quien componga el mejor vídeo para su single de adelanto, descargable gratuitamente en esta web en español:
http://www.thewebspain.com/2008/07/el-concurso-de-vdeo-de-marillion-para.html

Las canciones:

1 - Essence1. Dreamy Street
2. This Train is my Life
3. Essence
4. Wrapped Up in Time
5. Liquidity
6. Nothing Fills the Hole
7. Woke Up
8. Trap the Spark
9. A State of Mind
10. Happiness is the Road

Volume 2 - The Hard Shoulder

1. Thunder Fly
2. The Man from the Planet Marzipan
3. Asylum Satellite #1
4. Older than Me
5. Throw Me Out
6. Half the World
7. Whatever is Wrong with You
8. Especially True
9. Real Tears for Sale

- Más información:
Ver portada del disco a tamaño gigante:
Pinche aquí
· Página para reservar el disco:
www.marillion.com/preorder
· Página del single para descarga y concurso:
http://www.whateveriswrongwithyou.com/

Un disco elaboradísimo, para oídos muy exigentes y entrenados

The Wrong Object - 'Stories From The Shed' (2008)Moonjune Records

01. Sonic Riot At The Holy Palate
02. 15/05
03. Sheepwrecked
04. Acquiring The Taste
05. Lifting Belly
06. Malign Siesta
07. Theresa’s Dress
08. Rippling Stones
09. Theresa’s Dress (Reprise)
10. Strangler Fig
11. Waves And Radiations
12. Saturn
13. The Unbelievable Truth, Part I
14. The Unbelievable Truth, Part II

Músicos:Michel Delville: guitarra, sintetizadores y efectos electrónicos
Fred Delplancq: Saxo tenor
Jean-Paul Estiévenart: Trompeta y flugelhorn
Damien Polard: bajo y efectos electrónicos
Laurent Delchambre: batería, percusión y samples
_______________________________________________

The Wrong Object son un quinteto belga, que nos presentan esta elaboradísima propuesta, muy poco habitual por estos lares. Es una apuesta un tanto desconocida y arriesgada, si la enfocamos hacia el público europeo, todo esto, siempre mirado bajo el prisma de la comercialidad, se entiende.En “Stories From The Shed” encontraremos catorce temas de progresivo, en su totalidad instrumentales, cimentados en la corriente jazz-fusión que tanto gusta al otro lado del Atlántico. Si bien el álbum es impecable en cuanto a producción y a nivel interpretativo -hay que destacar que se ha grabado en formato directo en el estudio, sin overdubs-, navega por un mar algo agitado. Con picos muy altos de virtuosismo y altas cotas de inspiración, en contraposición nos toparemos con otros instantes (abundantes también) más relajados e intimistas que, de cara a un público más generalista, pueden ser contraproducentes.El gran aspecto a destacar es la versatilidad compositiva del grupo, ya que cada uno de sus cinco miembros firma, al menos, dos de los temas del disco. Sin duda, la palma se la lleva el guitarrista Michel Delville, cuyo sello está presente en 10 de los 14 cortes.Los momentos más brillantes vienen de la mano de los instrumentos de viento, perfectamente sincronizados con los fraseos de guitarra, muy concretos y medidos, y en todo instante envueltos por la sonoridad y voluptuosidad de los sintetizadores y los arreglos electrónicos. La batería por su parte, toma protagonismo en su forma más básica de caja y platos, con una acertada y destacable ausencia de bombo.Dignos de resaltar sobre todos son, el corte que abre el redondo, “Sonic Riot At The Holy Palate”, por su fuerza y combinación de elementos, y de igual manera “Malign Siesta” o la preciosa y detallista “Saturn”.En resumen, un disco elaboradísimo, para oídos muy exigentes y entrenados, que requiere cierta dedicación para su completo deleite. Como digo, abstenerse los no iniciados.

Fuentes: Ezquisofrenia

miércoles, 20 de agosto de 2008

Captain Beyond

Captain Beyond fue un grupo americano de rock, fundado en 1971.
El grupo estaba formado por
Rod Evans, ex vocalista de Deep Purple; Larry "Rhino" Reinhardt a la guitarra y Lee Dorman al bajo, ambos procedentes de Iron Butterfly; y Bobby Caldwell a la batería, que procedía de la banda de Johnny Winter.
Establecidos en
Los Angeles (California), donde firmaron con el sello Capricorn para publicar su primer disco, del mismo nombre. Este LP, de una gran calidad, no tuvo una gran repercusión mediática, ya que estaba estructurado como un álbum, lo que dificultaba a las emisoras su difusión. A esto se añadió la poca promoción por parte de la discográfica, lo que hizo que no tuviera excesivas ventas, a pesar de su calidad y el excelente diseño de su portada. Las pocas ventas hicieron que abandonara el proyecto Bobby Caldwell, siendo sustituido por Marty Rodriguez. A la vez se incorporaron Reese Wynans a los teclados y Guille Garcia a la percusión.
Con esta formación grabaron su segundo álbum Sufficiently Breathless (1973), donde se notaban influencias latinas, dentro de su estilo rock. La banda estaba en un momento de escasa definición, con varios de sus músicos manteniendo proyectos personales, por lo que Rod Evans abandonó el grupo.
Tras este abandono, el grupo dejaría de aparecer unos años, hasta que en 1976 "Rhino" Reinhardt, Lee Dorman y Bobby Caldwell se unieron al antiguo batería de
Hunger, Willy Daffern, que en este caso llevaba la parte vocal. Este combo grabó con la Warner el tercer LP del grupo, Dawn Explosion (1977), con el que no lograrían un gran éxito de ventas, por lo que se separaron nuevamente.
Caldwell y Reinhardt se reunieron a finales de los
años 90, logrando el reconocimiento como grupo de culto y el prestigio de la crítica que no habían logrado en los 70.

Aca les dejo el link para descarga directa, para bajar el disco homonimo:

http://rapidshare.com/files/120065576/1972.-_Captain.Beyond_-_Captain.Beyond_by_Last_Lagart.rar

01.- Dancing Madly Backwards (On a Sea of Air)
02.- Armworth
03.- Myopic Void
04.- Mesmerization Eclipse
05.- Raging River of Fear
06.- Thousand Days of Yesterdays (Intro)
07.- Frozen Over
08.- Thousand Days of Yesterdays (Time Since Come and Gone)
09.- I Can't Feel Nothin' (Part I)
10.- As the Moon Speaks (To the Waves of the Sea)
11.- Astral Lady 12.- As the Moon Speaks (Return)
13.- I Can't Feel Nothin' (Part II)

Formación:
Rod Evans – vocals
Larry "Rhino" Reinhardt – guitars
Lee Dorman – bass guitar, piano, Hammond organ, vocals
Bobby Caldwell – drums, percussion, Hammond organ, bells, vibraphone
, vocals

miércoles, 6 de agosto de 2008

Peter Gabriel (Ganador de la votación)

Peter Brian Gabriel, nacido el 13 de febrero de 1950, en Chobham, Surrey, Inglaterra, es un músico popular / rock'n'roll inglés. Se hizo conocido como miembro de la banda de rock progresivo Genesis, que fundó cuando era estudiante de la escuela secundaria Charterhouse, con sus compañeros Tony Banks, Anthony Phillips y Mike Rutherford.
Tras publicar el disco "The Lamb lies down on Broadway", el séptimo del grupo, Gabriel decidió dejar el grupo por diferencias artísticas y personales, siendo el único miembro de la banda con familia; no hubo ruptura personal y las buenas relaciones con sus antiguos compañeros permitieron la colaboración de varios de ellos a lo largo de la exitosa carrera solista de Gabriel.
Su primer éxito fue el sencillo "Solsbury Hill", una canción autobiográfica en la que expresa sus sentimientos al dejar Genesis. Aunque logró éxito crítico y aceptable éxito comercial desde temprano en su carrera solista, (p.e. "Games Without Frontiers" de su tercer álbum y "Shock the Monkey" del cuarto), Gabriel logró el máximo éxito comercial y popularidad con las canciones de su disco de
1986 So, en particular "Sledgehammer." Su siguiente disco, "Us", producido seis años después, reflejó los problemas personales que atravesaron la vida de Gabriel (su divorcio y una relación fallida con la actriz Rossanna Arquette), y si bien tuvo un éxito menor con "Steam", no fue comparable en ventas con el "So"; el año 1989 Gabriel compuso e interpretó su segunda banda sonora para cine, "Passion", para La Última Tentación de Cristo de Martin Scorsese, una obra de altísimo nivel. Tras un hiato de siete años, Gabriel regresó con la puesta en escena para el Domo del milenio, en Londres, llamada "Ovo", en el 2000; la música para la película "Rabbit Proof Fence" el 2001 y finalmente su disco "Up", de éxito menor. También colaboró en el año 2004 con el tema central del juego Myst IV: Revelation, con "Curtains", cara B del single "Big Time" procedente del álbum So.
En los inicios de su carrera solista, Gabriel se negó a ponerle títulos a sus discos, considerándolos más bien ejemplares de una revista. Sólo la presión del sello distribuidor en Estados Unidos puso un título en el cuarto disco (Security) y lo obligó a ponerle títulos a sus discos desde el quinto (So). Para identificarlos se suele recurrir al número de orden o a detalles de la carátula; en realidad existe un tácito acuerdo entre todos los fans para llamar al primero, segundo y tercer discos como Car, Scratch y Melt respectivamente.
Peter Gabriel tiene dos hijas de su primer matrimonio, Melanie y Anna, y un hijo, Ralph Isaac, del segundo. Melanie fue cantante de apoyo en el tour Growing Up, y está iniciando una carrera solista. Anna realizó la película Growing up on tour: a family portrait.
Peter Gabriel es uno de los fundadores de On Demand Distribution (OD2) y confundador con
Brian Eno de MUDDA, "magnificent union of digitally downloading artists".
En la década de los 80 fue pionero en la fusión con todo tipo de músicas étnicas y no es extraño encontrar en sus temas percusiones de absoluta inspiración africana, y guiños a otras culturas. Sobresaliente en ello resulta su álbum Passion.
De hecho la figura de Peter Gabriel se encuentra estrechamente ligada a los festivales
WOMAD, y su éxito con el álbum So le permitió fundar la discográfica Real World que ha permitido grabar discos y difundir su música a autores de todos los lugares de la tierra.
Más allá de tener la mera condición de músico, Peter Gabriel ha estado comprometido a lo largo de casi toda su carreta con los problemas sociales más variados, tales como la discriminación en Sudáfrica, haciendo oír su voz a menudo en los foros internacionales. En la actualidad colabora con el movimiento que pretende el reconocimiento de los derechos a los simios.

2008 WALL-E (Banda sonora de la película del mismo nombre) (sólo participa con la canción "Down to Earth").

Big Blue Ball es un nuevo álbum de varios artistas que crecieron a partir de "semanas de grabación" en los estudios Real World de Peter Gabriel a comienzos de 1990. En producción durante más de 15 años, "Big Blue Ball" es un proyecto con varios artistas de todo el mundo trabajando juntos. De acuerdo con Gabriel, la primera grabación fue terminado en tres años durante los primeros años de la década deñ '90, pero "las cintas se quedaron en un lío y se tomó todo este tiempo para resolver esos problemas." El productor Stephen Haya finalmente fue llamado para encauzar el proyecto. Los invitados que figuran en el álbum incluirán a Sinead O'Connor, Karl Wallinger (de World Party), Natacha Atlas y Papa Wemba. Gabriel será la voz principal en varias pistas del disco. Una mezcla de músicos occidentales, africanos y asiáticos están también incluidos. (Fuente:
Wikipedia) Fecha de lanzamiento: 24 de junio de 2008 Sello: Real World, EMI Productores: Peter Gabriel, Karl Wallinger, Stephen Hague Website: Big Blue Ball Tracklist: 01 - "Whole Thing (Original Mix)" (featuring Francis Bebey, Alex Faku, Tim Finn, Peter Gabriel, Karl Wallinger, Andy White) 02 - "Habibe" (featuring Natacha Atlas, Hossam Ramzy, Neil Sparkes) 03 - "Shadow" (featuring Juan Cañizares, Papa Wemba) 04 - "altus silva" (featuring Joseph Arthur, Ronan Browne, Deep Forest, James McNally, Iarla Ó Lionáird, Vernon Reid) 05 - "Exit Through You" (featuring Joseph Arthur, Peter Gabriel, Karl Wallinger) 06 - "Everything Comes From You" (featuring Richard Evans, Joji Hirota, Sevara Nazarkhan, Sinead O’Connor, Guo Yue) 07 - "Burn You Up, Burn You Down" (featuring Billy Cobham, Peter Gabriel, The Holmes Brothers, Wendy Melvoin, Arona N’diaye, Jah Wobble) 08 - "Forest" (featuring Levon Minassian, Arona N’Diaye, Vernon Reid, Hukwe Zawose) 09 - "Rivers" (featuring Vernon Reid, Marta Sebestyen, Karl Wallinger) 10 - "Jijy" (featuring Arona N’Diaye, Rossy, Jah Wobble) 11 - "Big Blue Ball" (featuring Peter Gabriel, Manu Katché, Karl Wallinger)

Descarga directa Big Blue Ball:
http://lix.in/f25ffc21

Phil Collins (Ganador de la votacion)


Philip David Charles Collins cantante, compositor, baterista, pianista y actor británico, nacido el 30 de enero de 1951 en el barrio londinense de Chiswick, es uno de los personajes más activos y de mayor éxito de la música rock.
Alcanzó de niño notable éxito como actor y más tarde como batería de los grupos Hickory y Flaming Youth. En 1970 se integró en el grupo de rock sinfónico
Genesis y desde 1981 desarrolló una carrera en solitario paralela a la de su trabajo con el grupo. También ha colaborado ocasionalmente con otros músicos y ha producido a artistas como Eric Clapton, Robert Plant, Brand X e incluso, Anni-Frid Lyngstad del grupo ABBA. Su primer álbum en solitario, Face Value (1981), reflejaba la ruptura de su primer matrimonio, con canciones como “If Leaving Me is Easy” y “In the Air Tonight”. Hello, I Must Be Going (1982) fue otro disco que alcanzó gran popularidad y del cual se extrajo un sencillo, “You Can’t Hurry Love”, que se situó en el primer puesto de las listas de ventas británicas. También alcanzó gran éxito internacional el álbum No Jacket Required (1985). Otros títulos a destacar en su discografía son:...But Seriously (1989), Both Sides (1993), Dance Into the Light (1996) y Testify (2002). En Brand X, su otra banda paralela de Rock Fusión, supo plasmar sus mejores virtudes como eximio baterista, editando con la banda 9 discos (tres en vivo) desde 1976 hasta 1983. Su tema para la película Contra todo riesgo (1983, Taylor Hackford) fue número uno en Estados Unidos. Su capacidad como actor se puso de nuevo de manifiesto con su interpretación del papel principal de la película Buster, el robo del siglo (1988, David Green), con la que ganó un premio Grammy por la canción “Two Hearts”. Posteriormente ha centrado su actividad creativa en la composición de bandas sonoras, como la de la película Tarzán (1999) y también la banda sonora de la película Tierra de Osos (2003), ambas producidas por la Disney. Su último álbum de estudio es "Testify", del año 2002.


No siempre han sido los mismo los componentes de su banda (después de separarse de Genesis), pero los siguientes son los más significativos, los que más tiempo han estado o los que siguen con él en sus giras últimas y actuales (hasta 2004):
Manager del tour de finales de los 90, principios de 2000 - Mike Kindson
Bajo - Nathan East, Leland Sklar
Guitarra - Daryl Stuermer, Ronnie Caryl
Teclado - Brad Cole
Batería - Ricky Lawson,
Chester Thompson
Percusión y timbales - Luis Conte
Vocales solamente - Amy Keys, Arnold McCuller, Lamont Vanhook, Connie Jackson-Comenagys, Bill Cantos, Lynne Fiddmont-Linsey
Otros:
Trompetas - Harry Kim, Dan Fornero
Trombón - Arturo Velasco
Saxofón - Andrew Woolfolk, Gerald Albright


En una entrevista para The Times, Phil Collins, quien recientemente volvió a reunir a Genesis e hizo una gira mundial, anunció su retiro definitivo del panorama musical. Afirmó que actualmente está más interesado en su colección de la Batalla del Álamo que en la música.
Para descarga directa de albumes de Phil Collins presiones en los siguientes links: http://rapidshare.com/files/83004416/alteradors.rar (Album: Face Value)
Fuentes: Wikipedia, Taringa, http://www.philcollins.co.uk/

Noticias


El guitarrista y compositor Trevor Rabín más conocido por ser el vocalista y compositor de Yes entre 1983 y 1995, es ahora el encargado para hacer la música para la película "Agente 86: Get Smart".

viernes, 25 de julio de 2008

Seru Giran (Ganador de la votación)





Apodados "los Beatles criollos", Serú Girán tiene como mayor virtud haber dado el paso fundamental para que el rock pasara a ser masivo. Si bien no es la primera "super-banda", es la primera que logra llegar tanto a las clases bajas como a la media-alta, "a los rockeros y a los chetos", para utilizar el léxico de la época. Con records de ventas y espectadores en sus shows, este grupo consiguó también fusionar varios estilos musicales, para alcanzar un sonido muy particular, característico de esta transición entre décadas.
La popularidad de este grupo también se ve reflejada en las - ahora tradicionales - encuestas de la revista Pelo. Serú Girán ganó las categorías de Mejor Guitarrista, Mejor Tecladista, Mejor Bajista, Mejor Baterista, Mejor Compositor (
García) y Mejor Grupo en Vivo en los años 1978, '79, '80 y '81. A esto se le agrega Grupo Revelación 1978; Mejor Cantante (Lebón) '80 y '81; Mejor Tema '78 ("Seminare") y '81 ("Peperina") y Mejor Album 1978 ("Serú Girán"). Este fenómeno se mantiene inigualado hasta nuestros días.
Tras las peleas en
La Máquina de Hacer Pájaros, Charly García tomó la determinación de dejar la banda y viajar a Brasil con David Lebón, su amigo desde la época de Sui Generis. Con la plata recaudada en el Festival del Amor (Luna Park, 11/11/1977) alquilaron una casa por tres meses en Buzios, al norte de Río de Janeiro. Por no tener dinero suficiente para pagar el impuesto, todos los equipos que llevaban quedaron decomisados en la aduana.
A los dos meses
Charly regresa a Buenos Aires para arreglar contrato con Oscar Lopez y Billy Bond. Una noche, en un pub donde se presentaba Pastoral, Charly quedó fascinado con la habilidad de Aznar en el bajo. Esperó a que terminara el show y fue a buscarlo a los camarines. No fue necesaria mucha charla para que Pedro aceptara viajar con él a Brasil e incorporarse al grupo en gestación. «...Cuando lo ví a Pero pelar el bajo, se me cayó la mandíbula hasta la rodilla. Pensé: este pibe es muy bueno, es casi mejor que yo», recuerda en tono de broma David. (Clarín, 03/05/1992).
Con la plata que había recibido como anticipo del contrato, costeó los pasajes a San Pablo de ellos y el de Oscar Moro, a quien ya había apalabrado para viajar. Allá se reunirían con
David Lebón. «Esa misma noche tocamos por primera vez juntos y decidimos armar Serú Girán» (Charly García).
Pese a los problemas económicos, esta fue una etapa muy creativa y fructífera: compusieron más de quince temas, de los cuales se seleccionaron los mejores para la edición del primer disco.
Las sesiones de grabación comenzaron en los estudios El Dorado de San Pablo, y culminaron en ABC Recording Studios de Los Angeles, Estados Unidos.
Para
"Serú Girán" (1978) contaron con la colaboración de Daniel Goldberg, quien tenía a su cargo los arreglos musicales y la dirección de la orquesta de 24 músicos que participó en algunos temas como "Eiti-Leda" o "Serú Girán". La complejidad armónica de este proyecto demuestra que, desde el comienzo, las ambiciones que tenían apuntaban mucho más alto que la del resto de los músicos nacionales de ese momento.
El resultado final del disco los entusiasmó mucho: sonaba como una fusión de jazz-rock con música brasilera.
Pedro recuerda: «...cuando apareció ese álbum, la prensa le dio una importancia infernal, se creó todo una caso... había un inmovilismo total». La revista Pelo, una de las publicaciones especializadas de la época, decía: «"Serú Girán" es un álbum compacto, extremadamente pulido en su producción, a pesar de lo cual suena menos armado que La Máquina de Hacer Pájaros. (...) Serú Girán debuta con un buen álbum. Una música que trasluce los nuevos horizontes de García y sus nuevos compañeros de ruta.» (Pelo Nº104).
El primer show en vivo de Serú Girán tuvo lugar en el Riachuelo, a bordo de un barco anclado. Este recital - al cual sólo asistieron periodistas, músicos y amigos - tenía la finalidad de observar la respuesta de la crítica especializada. Esa noche el grupo se mostró sólido y contundente, lo que parecía, abriría las puertas del público masivo rápidamente.
El debut en vivo de la banda ante el público porteño ocurrió dos semanas después, el 28 de julio de 1978, en el estadio Luna Park, con orquesta (sección de cuerdas y vientos) y circuito cerrado de televisión. En al parte trasera del escenario, una pantalla gigante mostraba a los músicos dirigiéndose a escena.
David, Pedro y Oscar salieron vestidos totalmente de blanco, mientras que Charly eligió una malla negra, saco y zapatillas. El comienzo del recital, con la orquesta a pleno interpretando la poderosa introducción del tema "Serú Girán", presagiaba una noche inolvidable. No fue así. Cuando tocaron el tema "Disco Shock"- una sátira de la música disco, tan en boga en el momento - la gente presente creyó que era en serio y, tras un coro de silbidos, empezaron a pedirle a García el "Blues del Levante", el tema que había compuesto con motivo de la despedida de Sui Generis. El público quedó desconcertado y el resto del recital transcurrió ante la indiferencia general. La gente no había entendido el mensaje, o Serú no había sabido expresarlo.
Las críticas de los medios contra la banda arreciaron. El diario La Opinión, por ejemplo, publicó que eran lo peor que había en la Argentina, y sostenía que tenían «voces homosexuales». Estas declaraciones eran la culminación de una "campaña de desprestigio" que había tenido lugar contra
García, mientras el grupo estaba ensayando en Brasil. La vanguardia de esa campaña había sido el titular: «Charly García, ¿ídolo o qué?».
Para el segundo trabajo discográfico,
"La Grasa de las Capitales" (1979), Serú eligió una propuesta mucho más directa. Eliminaron la orquesta, que no había sido totalmente aceptada por el público, y compusieron temas más simples y directos.
La crítica de la revista Pelo a este disco fue bastante positiva: «
"La Grasa..." es un disco que va a tener admiradores y detractores igualmente incondicionales. Por un lado, estarán los que darán la bienvenida a un García que abandonó la complejidad y retorna a la temática de crítica social que tan bien desarrolló anteriormente. Y por el otro, habrá quienes condenen esta simplicidad como falta de progreso. Pese a todo, es uno de los trabajos más logrados del año.» (Pelo No 122).
Los rumores de separación quedaron desacreditados con la presentación del long-play, a lo largo de seis funciones en el Auditorio Buenos Aires, previa gira por las ciudades de Córdoba, San Luis y Mendoza. Tras la experiencia frustrante del comienzo, prefirieron no exponerse demasiado y escogieron un lugar pequeño.
El show comenzó en la oscuridad total, mientras se escuchaba el playback del coro de introducción al tema
"La Grasa...". Acto seguido, se encendieron todas las luces y la banda irrumpió en el escenario. "Viernes 3 AM", "Perro andaluz" y "Los sobrevivientes" fueron los temas más festejados por el público. También hubo lugar para la nostalgia:
"Seminare" y "Eiti-Leda" obtuvieron el reconocimiento de la gente, durante los bises. A fuerza de recitales y tenacidad, Serú logró revertir las opiniones de la crítica y del público. Allí comenzó a gestarse el fenómeno masivo que aún hoy persiste.
El siguiente álbum de Serú Girán se llamaría
"Bicicleta" (1980). Años más tarde se recordaría el tercer disco de Serú Girán como lo mejor de la agrupación, llegándoselo incluso a comparar con "Abbey Road", el transformador duodécimo LP de los Beatles. Sin embargo, en ese entonces, los medios «especializados» no le atribuyeron al material tanta importancia. Por ejemplo, Pelo comentaba: «...el tercer álbum de Serú Girán probablemente recorrerá el camino del éxito que tuvieron los anteriores, pero es difícil que "Bicicleta" representa plenamente el poderío de esta banda. (...) Serú Girán llegó al máximo de sus posibilidades sobre un escenario, pero todavía le falta andar mucho camino en los estudios». (Pelo No 139).
El disco
"Bicicleta" - nombre que en un principio Charly había propuesto para el grupo, pero fue rechazado por el resto - fue presentado en Obras, el 6 y 7 de junio de 1980. En el escenario se podían observar ruedas de bicicleta, conejos y flores, algo que llamó la atención del público y de la prensa, por ser el primer grupo que tenía algún tipo de preocupación por la puesta en escena. El hecho se debió a que Serú Girán había delegado la responsabilidad escenográfica a Renata Schussheim, una vieja amiga de Charly. A partir de "Bicicleta", Serú Girán comenzó con sus grandes shows.
Un mes después, en agosto de 1980, se presentaron en el Monterrey Jazz Festival, en Río de Janeiro. Tradicionalmente, los representantes argentinos en este festival estaban más vinculados al jazz o al tango que al rock progresivo que proponía Serú. Ese año el concierto se dividió en dos partes. En la primera, se presentaban Serú, el guitarrista Pat Metheny y George Duke. El éxito obtenido por los argentinos en esa función fue tal, que los organizadores les ofrecieron volver a tocar en la segunda - la principal - junto a John McLaughlin, Hermeto Pascoal, Edgberto Gismonti y Weather Report. «Cuando tocaba McLaughlin, la gente patinaba y le tiraba avioncitos de papel. ¡Yo me quería morir! Si a McLaughlin le hacían eso, a nosotros nos achuraban», recuerda
García. Sin embargo, esta predicción resultó completamente errónea. La principal razón de la respuesta favorable del público residió en la variedad de matices en los temas interpretados por ellos y, asimismo, algunos de éstos tenían una cadencia marcada que invitaba al baile.
Este festival marcó dos hechos muy importantes para la vida del grupo. Por un lado, se hicieron conocer y dejaron una muy buena impresión entre los cariocas, hecho destacado incluso por la prensa argentina (Clarín, 28/08/80). Por el otro, allí fue donde Pat Metheny conoció a
Pedro Aznar: el comienzo del fin.
Antes de terminar el año, otros dos hitos en la Historia del Rock Nacional tendrían como protagonistas al grupo. El primero, fueron los dos recitales (12 y 13 de setiembre) en los que tocaron junto a
Spinetta Jade. Es un hecho histórico que dos grupos de semejante magnitud estuvieran simultáneamente en el escenario.
Cuando apareció
Luis Alberto Spinetta y arrancó con el tema de Sui Generis "Cuando ya me empiece a quedar solo", la gente entendió que no se encontraba ante un recital común. Luego, de la oscuridad, surgió Charly con el tema "Que ves el cielo". Bajo un clima enfervorizado, Lebón interpretó "Música del alma" y luego entraron todos los demás: Aznar y Moro, por un lado, Spinetta, Pomo, Satragni y Rapoport y Del Barrio por el otro. Juntos tocaron temas de la agrupación comandada por el Flaco, y la gente aplaudió a rabiar. El recital se cerró con los dos grupos sobre el escenario interpretando "El mendigo en el andén" y "Crisálida".
La actuación de
Spinetta Jade fue muy aplaudida, pese a su difícil estilo. Fue notorio el esfuerzo de Spinetta por lograr mayor simpleza en su música, para que el público de Obras pudiera entender su mensaje. Serú Girán, en cambio, fue ovacionado desde el comienzo, dejando en evidencia el increíble «feeling» que tenía con la gente.
El otro hito importante tuvo lugar en la Rural. El 30 de diciembre, 60.000 personas, según cifras de la Policía Federal, se congregaron para escuchar a la banda número uno: «... el picadero de la Rural estaba abarrotado. Una compacta cola (...) llegaba hasta la estación Pacífico. Aunque la Policía no encontraba clave alguna en la letra de
"Alicia en el País", repetida hasta el cansancio, igualmente retuvo a un puñado de muchachos. Los productores negociaron y finalmente ese 30 de diciembre no hubo detenidos» (Ramos / Lejbowicz, pág.23). García comentaba: «...con este asunto de ir a los recitales y que te lleve la cana, la gente al final se da cuenta de que lo único que te pasa es que vas a dormir en una comisaría, pero que nadie puede para toda la onda». (Humor, año 1981).
En 1981 el presidente de facto Roberto Viola buscó acercarse a los músicos. Inteligentemente, utilizó la fuerte ascendencia de éstos sobre la juventud, para mostrar al país su «aflicción» por los problemas que sufrían los jóvenes. Los rockeros no salían de su asombro.
Spinetta recuerda una anécdota al respecto: «Yo les batí un par de cosas y también les sugerí que construyeran el observatorio más grande del mundo... un delirio, pero qué les iba a decir?» (Berti, pág.60). En el tema "Encuentro con el diablo", David Lebón ironizaba sobre esta reunión: «nunca pensé encontrarme con el jefe / en su oficina de tan buen humor / pidiéndome que diga lo que pienso / qué es los que pienso yo de esta situación.»
"Peperina" (1981), el cuarto disco de Serú Girán, que se había empezado a grabar en abril, fue lanzado para fines de ese año. La historia de Peperina es conocida: «Quiero contarles una buena historia / la de una chica que vivió la euforia / de ser parte del rock / tomando té de peperina». El tema trata acerca de una señorita que escribía notas de rock en Córdoba. Siempre que Serú tocaba en esa ciudad, ella calificaba la presentación uno «un bochorno». De más está decir que, pese a sus defenestrantes críticas, los estadios se llenaban. Se dice que cuando escuchó «su» tema por primera vez, acotó que Serú Girán seguía sin gustarle, pero que García era "un buen sociólogo" (?).
Con respecto al disco,
Charly sostiene que es un adelanto notable en cuanto a la calidad de grabación. Sin embargo, la revista Pelo no se mostró muy conforme con este trabajo: «Peperina no impresiona como un álbum compacto. En él hay canciones que nítidamente se diferencian de nivel, literaria y musicalmente. (...) Tienen marcas familiares de toda la música de Serú: canciones melancólicas, melodías agradables sobresaltadas por algún riff ardiente y las mismas falencias de producción que el grupo arrastra desde su primer trabajo discográfico (...) El disco no decepcionará a los seguidores, pero no tiene la homogeneidad de "La Grasa..." y plantea el interrogante sobre el futuro (...) Llegó el momento difícil: están en la cima y lo que hagan puede hacerlos afirmar o tambalearse». (Pelo Nº154).
Por el contrario, Gloria Guerrero, en el número 63 de Humor, comentaba: «El álbum, por lo poco que pude escuchar de él en un cassettito, la gasta, y tal cosa no me sorprende». En el número siguiente, completa: «...probablemente,
"Peperina" no representa un 'enorme' paso al frente luego de su trabajo anterior. Parece, a fuerza de ser sinceros, algo así como un "álbum complementario" de "Bicicleta", aunque más suelto y espontáneo».
Los días 4, 5 y 6 de setiembre el disco fue presentado en el estadio Obras. En honor al Sgt. Pepper's de Los Beatles, Serú Girán salió a escena con un show simple. Esta sencillez permitió que la conjunción música-imagen se diera sin altibajos. En principio, cuando
Charly y David compusieron los temas de este disco, García pensó que se trataba más de una película que de un long-play. Por eso se le ocurrió la idea de poner en el recital una pantalla gigante, proyectar videos grabados especialmente y que el grupo tocara en penumbras, acompañando a esas imágenes. Lo que impidió la concreción de esta idea fue el techo demasiado bajo del estadio: la pantalla taparía gran parte del escenario y ellos quedarían ocultos casi completamente. Finalmente, la idea fue descartada.
Para despedir el año, tocaron el 25, 26 y 27 de diciembre en el teatro Coliseo, en la Capital Federal. Para esos shows,
Charly contrató a las Bay Biscuits, un grupo de teatro-rock integrado por Vivi Tellas, Mayco Castro Volpe, Lisa Wakoluk, Diana Nylon y Fabiana Cantilo (ésta última sería luego corista estable de la banda de Charly). El número iba intercalado en el concierto y fueron recibidas con chiflidos e insultos de todo tipo.
En enero del '81
Aznar es convocado por el guitarrista norteamericano Pat Metheny para incorporarse a su banda. Acordaron encontrarse en Estados Unidos, ya que Pedro viajaría al año siguiente para estudiar en la Universidad de Berklee. Este hecho marcaría el final de la banda.
Las críticas de los discos anteriores coincidían en una cosa: a Serú, en estudios, le faltaba la fuerza y la energía que tenía en vivo. Fue necesario esperar hasta el final mismo de esta agrupación (al menos en ese momento la disolución era definitiva) para conseguir el registro de ese material.
«Cuando
Pedro me comentó que se iba, me sentí muy mal - rememora Charly - porque habíamos logrado un grupo que sonaba muy bien (...) Habíamos conseguido mucha comunicación con la gente (...) Además, se nos estaban abriendo las puertas de Europa y sin él no lo vamos a poder aprovechar. Por otro lado, Pedro es un músico que está muy por sobre el nivel de lo que es la Argentina ahora (1982) y era lindo tocar con un tipo así. Pero también me sentí muy bien porque Pedro tiene otras perspectivas de vida y otros gustos musicales. El quiere realizarse como persona, y me parece bárbaro». (Pelo Nº160).
Cuando
Aznar le anunció al grupo que se iba, todos decidieron tomarse un tiempo para reflexionar. Fue así que Charly viajó a Brasil para trabajar en su primer disco solista; David se tomó unas vacaciones en Punta del Este y Oscar se quedó en Buenos Aires. Al mes siguiente (febrero de 1982), los cuatro músicos se reunieron para realizar una gira por la Costa Atlántica: San Bernardo, Villa Gessell, Necochea, Pinamar, Miramar, Santa Teresita y, obviamente, Mar del Plata fueron los sitios elegidos por la banda. El día final de la agrupación estaba cada vez más cerca.
Pero la historia del grupo merecía un broche de oro: era necesario un Adiós Serú Girán. Debía ser un concierto espectacular y se organizó para los días 6 y 7 de marzo en Obras Sanitarias, la Catedral del Rock. En esa oportunidad, el grupo «...sonó como nunca y la labor de los músicos en el escenario no escatimó fervor, a pesar de estar grabando en vivo.
Charly, David, Pedro y Oscar ofrecieron un espectáculo sólido, vibrante y emotivo, y en el cual se evidenció un soplo más rockero en el estilo del grupo. Pedro Aznar fue despedido con una ovación porque, a pesar de que sus gustos musicales distaban de los del resto del grupo y del público en general, le dio a Serú (...) un sonido muy particular y distintivo». (Leyendas Nº7).
"No llores por mí, Argentina" (1982) terminó siendo una recopilación en vivo de los éxitos más importantes de la banda, con la excepción del tema homónimo y "Popotitos", un cover del clásico tema.
Al respecto, Gloria Guerrero comenta: «...había tres razones (para esperar este LP). La primera, conservar el último testimonio del trabajo de
Pedro Aznar. La segunda, asistir, por fin, al sonido de Serú Girán en vivo. La tercera, tener a mano los temas nuevos: "No llores por mí" y "Pena en mi corazón" (...) Como última obra de Serú Girán-cuarteto, tiene todo el valor histórico y todo el valor que le confiere la indiscutida calidad del grupo». (Humor Nº84).
"No llores..." es un tema fuerte, que marca una especie de resumen de época, una suerte de balance - no olvidemos que fue compuesto en 1982, en los albores de la Guerra de Malvinas, la caída de la Junta Militar y el posterior advenimiento de la Democracia - en un tono de protesta y reproche a la vez, un estilo que tanto rédito le daría a García en los años posteriores.
Si bien en un primer momento se barajó la posibilidad de continuar como trío (pasando
Lebón a la doble función de guitarrista y bajista) y, en todo caso, buscar algún reemplazo para las presentaciones en vivo, la falta de motivación fue evidente y el proyecto quedó descartado. Lebón trabajaba en su proyecto solista "El tiempo es veloz" y García ya estaba embarcado en su álbum doble "Yendo de la cama al living / Pubis angelical".
El 16 de mayo de 1982, Serú participa del Festival de la Solidaridad Americana, organizado ante 60.000 personas en el campo de hockey de Obras, para recolectar elementos para los chicos argentinos que sufrían en Malvinas y agradecer a los países que habían prestado su apoyo y se habían solidarizado con Argentina. Transmitidos en directo por radio y televisión, se presentaron los músicos más importantes del momento: lo que quedaba del ya disuelto Serú Girán,
León Gieco, Spinetta Jade, Raúl Porchetto, Nito Mestre, y muchos más.
Desde mediados de 1991 se comenzó a manejar la posibilidad del retorno de Serú. «Se trata de superar un recuerdo. - reflexionaba
García por aquella época - Hace mucho que estamos trabajando para no perder la grandeza, para que el tipo que alguna vez vio a Serú Girán lo vuelva a ver y no se decepcione y para que los chicos que no lo vieron tengan un flash». Exactamente eso fue lo que ocurrió. "Serú '92" es, sin dudas, el más flojo de todos los discos de la banda. Mucho más pop, por momentos peca de "light", falto del compromiso característico.
Sin embargo fue un éxito comercial, con ventas que superaron las 200.000 copias y multitudinarios shows en Rosario, Córdoba y dos en la Capital Federal, éstos últimos ante más de 160.000 personas, los cuales fueron editados en dos nuevos LPs. Si bien los Serú no querían convertir su retorno en un negocio - y menos para otros - ésto no quedó totalmente al margen de sus planes. «Terminemos de una buena vez con la división entre el espíritu y la materia. Es todo lo mismo: sentimos un inmenso placer por tocar y eso tiene un precio que mucha gente no dudará en pagar. Una cosa no excluye la otra» (
Pedro Aznar a Clarín, 03/05/92). "¿Si era por plata? Claro que era por plata... entre otras cosas. No vamos a tocar en River por nada. Obviamente que te tenés que defender y una vez que estás ahí arriba, algo tenés que hacer. Y creo que la hicimos bastante bien. La plata es un elemento más, si no la tenés, no podés hacer el show". (García a Clarín, 21/01/93).
También quedaba flotando la incógnita sobre si el regreso sería para esos shows o si se proseguiría con el proyecto interrumpido abruptamente en 1982. Previo a salir al ruedo, nadie se atrevió a confirmar ninguna de las dos posibilidades, quizás porque ni ellos mismos lo supieran. Durante los bises del segundo y último show de la banda en Buenos Aires, estalló esa pelea latente que reinaba desde tanto tiempo atrás entre
García, de fuerte personalidad y líder natural del grupo, y David Lebón, harto de las ansias de protagonismo de aquél. Fue necesaria la mediación de Pedro Aznar para que el guitarrista subiera nuevamente al escenario y así, todos juntos, se despidieran definitivamente de las presentaciones en vivo.
En síntesis, terminó siendo un momento en el cual todos (los de adentro y los de afuera) hicieron de cuenta que el tiempo no había transcurrido. De esa forma, y sólo de esa forma, el retorno de Serú Girán fue positivo. El estallido de los fuegos artificiales que cerraron el show terminó por despertar esa melancólica suposición, para enterrar definitivamente a la banda.
En 1995 se editó una recopilación, "Oro", aprovechando el lanzamiento de la película "Peperina", dirigida por Raúl de la Torre y protagonizada por Andrea del Boca en el papel de Patricia Perea (la verdadera Peperina). Este film contiene secuencias documentales del retorno de 1992.
Oscar Moro falleció en julio de 2006, víctima de una hemorragia estomacal.
Textos extraidos de Rock.com.ar

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lunes, 21 de julio de 2008

Supper's Ready (ganador de la votación)

Supper's Ready (en castellano: "La Cena Está Lista") es una canción de la banda Genesis. Apareció por vez primera en 1972, en el álbum Foxtrot, y fue interpretada por la banda de forma regular durante varios años después de su publicación. Se pueden encontrar versiones en vido en los álbums Seconds Out de 1977 y en el recopilatorio Genesis Archive 1967-75 grabada en 1973.

Con sus casi 23 minutos de duración, la canción podría ser descrita como una pieza compuesta a su vez por otras siete canciones más pequeñas, aunque los temas tratados y las estructuras musicales se repiten a lo largo de ellas. Firme a los postulados del rock progresivo, la canción sufre muchos cambios en los tiempos, notas, instrumentación, y estados de ánimo. Incluso así, la estructura musical de la canción permanece en la actualidad como bastante avanzada.

Los créditos del álbum señalan la autoría de la canción al esfuerzo conjunto de toda la banda (Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford). En diversas entrevistas, Banks mencionó que compuso varias de las progresiones musicales durante sus años de universidad; Gabriel aportó la gran parte de la letra de la canción y Collins contribuyó mucho en los arreglos y piezas musicales que enlazaban una sección con la siguiente.
La canción ha sido muy aclamada por los fans de la banda por su naturaleza épica y su climax catártico; en el que Gabriel particularmente transmitía a través de su interpretación vocal gran contenido emocional hacia el final de la canción. La temática de la obra se refiere a una hipotética lucha entre el bien y el mal; observándose referencias directas al libro del
Apocalipsis.
A menudo Gabriel ha sido citado con su dicho "sentía que estaba cantando por su vida" en el estudio de grabación. En contraste, se dice que un fan entusiasmado dijo "¡Steve, en realidado creo que vi a Dios al final de la canción!", al que Hackett le respondió "Bueno, simplementente estaba tratando de encontrar las notas adecuadas".
"Supper's Ready" puede ser considerada como un buen ejemplo de una canción larga, dividida en secciones, que a menudo eran grabadas por distintas bandas de
rock progresivo de esta época.

Parece que los padres de la esposa de Gabriel, Jill, vivían en una antigua casa, y en el último piso había un cuarto realmente extraño, drapeado de púrpura y negro, y permanentemente más frío que el resto de la casa. Ahora, por alguna razón, un día, Peter y Jill estaban ahí arriba, y tuvieron una experiencia realmente extraña. Peter no entra en demasiados detalles, pero probablemente fue algo sobrenatural, y dice que el clímax fue cuando miró a Jill y vio otra cara en lugar de la suya – una cara malvada...(al principio de la canción la letra dice "Juro que vi tu cara cambiar, no parecía estar bien").
Este hecho lo inspiró a un Peter alucinado a un alto grado, a escribir "una historia épica acerca del bien y del mal" (sus propias palabras), lo que se transformó en "la cena está lista". Gradualmente creció en la escritura, hasta que recogió todo el Libro de las Revelaciones – Peter dice que a veces sentía que estaba "guiado" hacia esas fuentes. Todo eso explica porque Gabriel siempre tenía un enlace tan emocional con la canción – él dice que a veces sentía que estaba "cantando para su alma."
Bueno, hay más al respecto de lo que fue contado por Peter, en el libro
Armando Gallo. Parece que había un ex amigo de Peter y Jill quien era aficionado a lo oculto, y mandaba ondas muy negativas entre Peter y Jill. Mientras ellos estaban teniendo su experiencia en el extraño cuarto de arriba, Peter miró afuera de la ventana y vio una procesión fantasmal en el jardín. Sintió como si sus vidas estuvieran en peligro en ese momento.
John Anthony, el productor de Charisma, era más amigo de Peter y de Jill que del resto de la banda. Una noche, Anthony fue con Peter y Jill a la casa de sus padres en "Kensington Palace". Estaban en un cuarto frío decorado brillantemente de turquesa y púrpura, en la parte superior de la casa. "Jill y yo estabamos conversando acerca del poder, fuerza y destino," dijo Anthony. “De repente fui consciente de que la atmósfera del cuarto entero había cambiado. Jill había entrado en una especie de trance. De repente las ventanas se abrieron con el viento, seguido de un frío extremo, y a continuación este fenómeno psíquico.

"Ninguno de nosotros, Peter, Jill o yo estuvimos usando drogas o bebiendo. Me di cuenta de que era una manifestación básica. Lo había visto antes, el cuarto estaba lleno de un frío humo astral, éter psíquico. Lo que me asustó, fue que comenzó a moverse en la forma de un torbellino – la gran rueda que proyecta los espíritus en la astrósfera. No tiene nada que ver con la muerte. Es un fenómeno que puede ocurrir con personas de una gran psique. Si pasas por algo de esto, es muy probable que cuando regreses no seas el mismo."
Peter admitió que estaba muy asustado. "Vimos nuestras caras en las del otro. Era como si algo más se hubiera puesto entre nosotros y estaba usándonos como punto de encuentro", dijo. "La cortina se abrió por completo, aunque no había viento, y el cuarto se volvió frío helado. Y sentí que veía figuras afuera, figuras con capas blancas, y el césped en el que los vi no era el mismo césped que estaba afuera. Yo estaba temblando como una hoja y con un frío sudor, y eventualmente hice una cruz con un candelabro y lo levanté frente a Jill cuando ella estaba hablando con una voz extraña. Ella reaccionó como un animal salvaje y John y yo tuvimos que sujetarla."
"No sé cuando de esto estaba sucediendo dentro de mi cabeza y cuanto estaba sucediendo realmente, pero fue una experiencia que nunca pude olvidar y fue el punto de partida para una canción acerca de la lucha entre el bien y el mal." Este incidente inspiró a la canción Supper's Ready.


continuación se da un breve detalle de la música que se desarrolla en cada sección:

"Lover's Leap"
(En castellano: "Salto De Los Amantes")
Esta sección toca las raíces más
folk de la banda; con un arpegios de guitarra como fondo (Hackett, Banks y Rutherford tocan todos ellos al mismo tiempo guitarras de 12 cuerdas). Se les une también un piano eléctrico, un bajo, un cello y una flauta. La letra nos habla de un hombre que regresa a su hogar tras haber estado ausente durante mucho tiempo para ser recibido por su amante. También se menciona una visión sobrenatural ("six saintly shrouded men"), que Gabriel afirma referirse a una experiencia que él mismo tuvo en compañía de su mujer Jill y el productor John Anthony.

"The Guaranteed Eternal Sanctuary Man"
(En castellano: "El Hombre Del Santuario Garantizado Para La Eternidad")
En esta parte, Banks pasa a interpretar el
Hammond Organ y Collins entra a la percusión. En las interpretaciones en directo, Gabriel solía ponerse una "corona de espinas" en este momento.

"Ikhnaton and Itsacon and Their Band of Merry Men"
(En castellano: "Ikhnaton e Itsacon y Su Banda de Hombres Alegres ")
Esta parte es mucho más dinámica, con un ritmo de batería muy vivo, un solo de guitarra de Hackett y unos partes combinadas de guitarra y órgano (que incluyen una sección con rápidos arpegios de guitarra y órgano en los que Hackett utiliza la técnica del "
tapping"). La letra relata la batalla en la que se involucra Ikhnaton (Akenatón).

"How Dare I Be So Beautiful?"
(En castellano: "¿Cómo me Atrevo a Ser tan Hermoso?")
Esta sección es lenta, la única instrumentación son acordes de
piano. En el estudio, cada acorde era introducido a través de un fade-in por lo que se pierde el comienzo del sonido del acorde, dando la impresión de que se trata de un órgano más que de un piano. El título de esta sección era la frase que solía decir el contacto musical de los primeros años del grupo, Jonathan King. La letra relata el desenlace de la batalla anterior y el estado del campo de batalla tras la victoria. También nos habla del mito griego de Narciso, que se convirtió en una flor.

"Willow Farm"
(En castellano: "Granja de Sauces")
En las interpretaciones en vivo, esta sección muestra lo que quizás sea uno de los momentos más icónicos de Gabriel - las letras comienzan con la pregunta "¿Una Flor?", apareciendo Gabriel disfrazado con su "máscara de flor" (inspirado, según el mismo Gabriel dijo, en un programa infantil de la BBC, "The Flowerpot Men"). Musicalmente, esta sección es de alguna forma bizarra, caracterizándose entre otras cosas: secciones que recuerdan un
vaudeville, secciones de sintetizador (empleando el Mellotron Mark II), y música concreta con ruidos de trenes y explosiones.
En lo que respecta a la letra, tiene un estilo que recuerda de algún modo a la imaginería de
Monty Python, tratando temas de lo absurdo en la cultura inglesa, como por ejemplo: "ahí está Winston Churchill vestido de mujer, solía ser una bandera Británica, una bolsa de plástico, ¡que locura!" y numerosos elementos haciendo juegos de palabras, abordando temas como la depravación en las escuelas o la agricultura. Gabriel dijo que fue escrita para contrastar con la oscuridad del resto de la canción. Esto podría interpretarse como el caos debido a la batalla, procediendo al apocalipsis, donde los "12.000" son salvados y los santos regresan de la muerte. Los angeles abren los siete sellos para simbolizar el rapto.
Al final de esta sección hay un interludio, sin estar claramente definido si pertenece a "Willow Farm" o a la siguiente sección, "Apocalypse In 9/8", con pedaleras de bajo, guitarra eléctrica, órgano y melotrón, que desembocan en una melodía de flauta sobre una base de guitarra y oboe.

"Apocalypse in 9/8 (Co-Starring the Delicious Talents of Gabble Ratchet)"
(En castellano: "Apocalipsis en 9/8 (Co-Protagonista los Deliciosos Talentos de Gabble Ratchet")
En este punto, ingresan las baterías, con la sección rítmica de Collins, Hackett y Rutherford (a la guitarra y bajo respectivamente) emplean la atípica
métrica de 9 corcheas por compás. Sobre esta base, Gabriel entona las letras colmadas con imágenes del Apocalipsis, similar al libro de las Revelaciones, alternándose con complejos solos de órgano de Banks (interpretados con métricas cambiantes frente a la constante métrica de fondo de 9/8 de la sección rítmica). Finalmente, con sonidos de síntesis del Mellotron que imitan violines ("three violins" tape set), llegamos al clímax vocal de Gabriel.
En las representaciones en vivo, durante los solos de órgano, Gabriel se ponía el disfraz de
Magog con cabeza geométrica (que puede ser observado en la portada del álbum Genesis Live). Gabble Ratchet es una referencia a los Sabuesos del Infierno; usualmente son representados como gansos, lo que explica el efecto de sonido escuchado durante esta sección. También son conocidos como los "Sabuesos de Gabriel", lo que puede indicar una sarcástica referencia al mismo Gabriel. De hecho, el programa entregado en la gira 1972/73 se refiere a esta sección como "co-protagonista los deliciosos talentos del ganso salvaje".

"As Sure As Eggs Is Eggs (Aching Men's Feet)"
(En castellano: "Tan Seguro Como Que Los Huevos Son Huevos (Los Pies Doloridos De Los Hombres")
"Apocalypse In 9/8" desemboca en una sección más lenta en la que se vuelven a escuchar las letras de "Lover's Leap" junto con la progresión de acordes de "The Guaranteed Eternal Sanctuary Man", con un fondo de tambores "snare" y
campanas tubulares. Aquí es donde se alcanza el momento más alto, con destellos de luz, Gabriel se desprende de su disfraz de Magog, apareciendo bajo él con un traje blanco. Gabriel, entonces, cogía una barra fluorescente de luz negra, esgrimiéndola como si se tratara de una espada, o como un símbolo de santidad.
En algunas representaciones, Gabriel era elevado con unos cables, pero la banda dejó de emplear esta técnica al considerarla peligrosa. Desde este momento al final, están presentes constantemente la batería, el bajo y el melotrón. Gabriel canta una letra que recuerda a
William Blake con referencias a Jerusalén y al retorno de Cristo con alusiones a Apocalipsis 19:17 ("Ví a un ángel en el sol. Él gritó con voz clara, diciendo a todos los pájaros que vuelan en el cielo: ¡Venid! Acercaros a la gran cena del Señor.").
La canción finaliza con un fade-out en el que escuchamos la guitarra eléctrica de Hackett. En la grabación original, esta sección se interpretaba en clave de La; pero debido a que Gabriel no podía mantener el esfuerzo vocal en el escenario, normalmente, la banda la interpretaba en clave de Sol.
As Sure As Eggs Is Eggs es una variante en el folklore de la tautología lógica "X = X" y en este conexto es una referencia a la fe: estando absolutamente convencido de la victoria definitiva del bien sobre el mal y que Dios y el Cielo existen realmente.

Supper's Ready y las Revelaciones:
Esta sección, sin ser un estudio bíblico, intenta explicar las relaciones que se trazan con el libro de las Revelaciones a lo largo de la canción (las oraciones en negrita son parte de la letra). Ya desde el mismo título de "Supper's ready", se refiere a la Revelación 19:9: "Luego el ángel me dijo, ¡Benditos sean aquellos que son invitados a la cena del casamiento del cordero!"
La cena del casamiento de Jesús Cristo, el cordero de Dios. Este es un simbolismo de él por ser el marido de los creyentes, Revelación 21:9. Esta cena del casamiento es la realización de toda profecía Bíblica y la culminación del plan de Dios de unificar al hombre con él por la eternidad y eso suponía enviar al Mesías, a la morada de Dios en carne humana, para morir por el pecado de los hombres. Pero, ver también Revelación 18:19, por una cena de diferente tipo.
La primera parte de la canción, "Lover's Leap", está basada en una experiencia que tuvo Peter Gabriel (contada anteriormente). Algunos afirman que "Supper's Ready" ha sido basada únicamente en este sueño, pero está claro que incluso Peter mismo reconoce que eso fue simplemente el punto de partida. Peter utilizó su experiencia sobrenatural como un trampolín para algo que se hizo mucho más profundo. No hay duda de que esta canción está basada por completo en el libro de las Revelaciones.
En la segunda parte, "The Guaranteed Eternal Sanctuary Man", puede ser fácilmente interpretada como la aparición del Anticristo. Él está promocionando "la garantizada sanción eterna" mientras está engañando a todos. (Revelación 13:14b: él engañó a los habitantes de la tierra.) Gabriel cuida de manchar las diferencias entre la profana trinidad de Satán, el Anticristo, y el Falso Profeta a lo largo de toda la canción. Son tres cosas separadas, pero él crea una única mezcla y coincide en la redacción:
"Tú, ¿no te das cuenta que los ha engañado a todos?"
Mateo 24:24 (Porque falsos Cristos y falsos profetas aparecerán y llevarán a cabo grandes pruebas y milagros para engañar incluso al elegido – sí eso fuera posible.) Donde Jesús advierte de tal cuestión. La misión del Anticristo es crear una paz falsa:
"Comparte su paz,"
El Anticristo declarará una falsa paz. La gente va a querer creerle (y también veneraron a la bestia y preguntaron, "¿Cómo es la bestia? ¿Quién puede hacer la guerra contra él?" Rev 13:4b) debido a sus propias inseguridades y temores acerca del futuro. Más tarde la línea en la letra "Seguridad Social se hizo cargo de su muchacho" – Seguridad Social no será capaz de hacerse cargo de nadie. Cualquier cosa que tenga que ver con el hombre al final de los tiempos será empañado con mentiras.
Mira, mira dentro de mi boca, él grita,
Revelación 13:5: A la bestia le fue dada una boca para pronunciar palabras arrogantes y blasfemias y para ejercitar su autoridad por 42 meses. (42 meses: tres años y medio, la duración de la falsa paz.)
Apuesto mi vida a que entraran
Apuesto mi vida sin dudas es sarcástico: Satán sabe que va a ser derrotado porque ha leído la Biblia (notar que Satán cita escritos en Mateo 4:6). Por lo tanto, su plan es llevar tanta gente con él como pueda. Apuesta su vida en el hecho de que si lleva a todos, es decir que si lleva a cada ser humano al Infierno, no habrá razón para que Cristo regrese y gobierne. Esa es su única esperanza.
Empiezan los combates, se han desatado. Matan al enemigo por la paz...
La tercera parte de la canción, "Ikhnaton and Itsacon and Their Band of Merry Men ", cubre los eventos en la Revelación 9:13-19. (Y los cuatro ángeles que habían estado listos para esta hora y día y mes y año fueron liberados para matar a un tercero de la raza humana, RV 9:15.) Es interesante que Gabriel ni siquiera menciona a los "Cuatro Jinetes Del Apocalipsis", probablemente la imagen más reconocible de la Revelación. Los Cuatro Jinetes aparecen en el capítulo 6, mientras que Gabriel hace hincapié para la mayor parte de la historia que comienza en el capítulo 12.
La parte cuatro, "How Dare I Be So Beautiful?", naturalmente es lo que sigue y describe la Revelación 9:20. (El resto de la humanidad que no son matadas por estas plagas aún no se arrepienten de lo hecho por sus manos, Rev 9:20a.) En la canción, "Narciso" es un simbolismo de todos aquellos quienes, a pesar de ver a todos los que fueron muertos por las plagas, aún no se arrepentirán de adorar los trabajos del hombre antes que los de Dios. Narciso es el último ejemplo del hombre separado de Dios.
Vagando en el caos, la batalla ha terminado. Escalamos montañas de carne humana,
"How Dare I Be So Beautiful?" ocurre tras las consecuencias descriptas en Revelación capítulo 9 de estos versos. Históricamente, el problema número uno durante de las plagas y guerras es como los vivos se ocupan de los cadáveres de los muertos. Usualmente el número es tan grande que la sepultura es difícil o imposible, y una montaña de carne humana no es inconcebible en el despertar de lo que ocurre en el capítulo 9.
Tiene marcado "Tocino Humano" por alguna herramienta de carnicería.
Ser marcado tocino humano se refiere a la Revelación 13:16-17, donde la gente es marcada con el número de la bestia. Es interesante que "Willow Farm", la quinta parte, fue "añadida" y desarrollada separadamente del resto de la canción. Sin embargo, encaja muy bien con la canción el Corintio 15:51-53 (...No dormiremos todos, pero cambiaremos todos...) “¡TODOS CAMBIAN!” encaja perfectamente en este pasaje.
La parte seis, por supuesto, es donde comienza la acción. Ese es el meollo de la Revelación. Aunque la palabra "Apocalipsis" significa "final del mundo", su significado literal es muy simple "descubrimiento" o "revelación". Apocalipsis es simplemente un sinónimo de Revelación. Gabriel sigue con la historia como aparece en la Revelación 13, pero no capta mucho de los detalles.
Con los guardias de Magog, pululando alrededor,
La gente de Magog aparece en la Revelación 20:8 (...y Satán saldrá a engañar a las naciones en las cuatro esquinas de la tierra – Dios y Magog – se juntarán para la batalla.), donde son recluidos para ser el ejercito del mal de Satán luego de que él salga de prisión. Están bien equipados para esto. Históricamente, Magog persiguió a los semitas del Viejo Testamento. Ezequiel 38 y 39 cuenta sobre ellos. En Ezequiel 39:6, puedes leer lo que les ocurrirá. Es vital para Ezequiel 39:11-16 atreverse a ser una hermosa montaña de carne humana. Las imágenes en esa parte de "Supper's Ready" deben venir de Ezequiel 39:11-16. Los capítulos 38 y 39 de Ezequiel, los "capítulos de Magog" son los más difíciles de entender.
El flautista colorido lleva a sus niños al metro.
Para esto, lo único que se puede encontrar vagamente cercano es Revelación 18:22. (La música de arpistas y músicos, flautistas y trompetistas, nunca serán escuchada nuevamente en ti...)
Los dragones salen del mar,
Esta línea en la letra de la canción es desconcertante. Debería describir la Revelación 13:1, pero es (aparentemente) un error. Al comienzo de los versos se lee: "Y el dragón se paró al borde del mar. Y vi una bestia que salía del mar". El dragón, simbólico de Satán, no sale del mar, se para en el borde. La bestia, no el dragón, sale del mar. A la bestia se le ha dado el poder del dragón, pero no es el dragón. El plural "Dragones" también es incorrecto: hay dos bestias (el Anticristo y el Falso Profeta), pero sólo hay un dragón, que es Satán.
La sabia cabeza reluciente de plata me mira.
Es inexplicable de donde viene esta imagen. No existe en las Revelaciones ninguna mención sobre una sabia cabeza reluciente de plata. "Él" en la línea siguiente ("Él hace caer el fuego de los cielos,") es un pronombre cuyo antecedente debe ser la sabia cabeza, así que puede referirse a la bestia. Si es así, esta descripción no está en la Biblia.
Él hace caer el fuego de los cielos,
La segunda bestia hace esto en la Revelación 13:13 (...causando incluso que el fuego caiga del cielo a la tierra bajo la contemplación de los hombres.)
Puedes ver que lo hace bien por la mirada de sus ojos humanos.
Revelación 13:7b, luego de haber dado autoridad sobre cada "tribu, persona, lenguaje, y nación"- En el verso 8, "Todos los habitantes de la tierra adorarán a la bestia."
Mejor no te comprometas. No será fácil.
Revelación 13:10, especialmente la parte acerca de "la resistencia del paciente". Comprometerse no es posible: verso16-17: "Él también forzó a todos, pequeños y grandes, ricos y pobres, libres y esclavos, a recibir una marca en su mano derecha o en su frente, así nadie podía comprarse o venderse a menos que tuviera la marca, la cual es el número de la bestia o el número de su nombre."
666 ya no está más solo,
666 es el número de la bestia (el Falso Profeta o el Anticristo), Revelación 13:18 (Esto requiere sabiduría. Si alguien tiene perspicacia, déjenlo que calcule el número de la bestia, porque es el número de un hombre. Su número es 666). Él no está sólo porque el Cordero de Dios esta por aparecer, el punto decisivo comienza en el capítulo 14.
Él está sacando la médula de tu espinazo,
“Él” significa la bestia, cuyo número es el 666. Revelación 14:9-12, especialmente el verso 12, exhorta a la gente a tener paciencia y permanecer con fe, pero no todos tienen el coraje. Tienen espinazos débiles.
Y las siete trompetas tocan un dulce rock and roll,Lo tocarán hasta que se meta en tu alma.
De repente, la canción desentona con el orden cronológico de los eventos y salta hacia atrás, a la Revelación 8:2 ("Y vi a los siete ángeles parados frente a Dios, y le está dando siete trompetas.") El tema de los siete es muy fuerte en el libro de las Revelaciones (siete iglesias, sellos, signos, plagas, y perdiciones más las trompetas simbólicas de las perdiciones).
Pitagoras con el espejo reflejando la luna llena,
La luna es mencionada en la Revelación 6:12 (...la luna entera se torno rojo sangre). También se menciona en la Revelación 21:23, pero seguramente no es esta parte a la que se refiere la canción. Pitagoras es como un "extra Griego", puede representar no judíos, o paganos.
Con sangre, escribe la letra de una nueva canción.
"Con sangre" es muy importante. La sangre de Cristo pagó el precio del pecado por la humanidad. La nueva canción, por consiguiente, es un símbolo para el nuevo mundo sin pecado. El tema de la música ("dulce rock and roll") está junto al de las siete trompetas.
Y es "hola nena", con tus ojos guardianes tan tristes,Hey mi nena, ¿no sabes que nuestro amor es verdadero?Estuve tan lejos de aquí,Tan lejos de tus amorosos brazos,Ahora he vuelto otra vez, y nena todo saldrá bien.
"Vuelto otra vez" puede significar Cristo regresando a la Nueva Jerusalén. Todo saldrá bien una vez que Jesús Cristo haya vuelto y sea Señor. Finalmente, la última parte "As Sure as Eggs is Eggs" concluye la historia. Los huevos fueron introducidos en la tradición del este tras la incorporación de varios cultos paganos de la Cristiandad a lo largo de los siglos, pero no tiene absolutamente ninguna base Bíblica. Eran símbolos, como cualquier otra cosa, de fertilidad pagana. Los rituales paganos en la historia parecen estar más relacionados con actos de fertilidad primero y cualquier significado después. Es deconcertante lo de los pies doloridos de los hombres.
¿No puedes sentir cómo se encienden nuestras almas?
Uno puede posiblemente juntar esto con la Revelación 20:15 ("si el nombre de alguien no fuera encontrado escrito en el libro de la vida, sería lanzado dentro del lago de fuego"), aunque el cambio de tono de destacar un aspecto positivo de la salvación a señalar los negativos de la maldición es extraño.
Derramando colores siempre cambiantes,
Esto pude ser una referencia a las joyas que adornan la Nueva Jerusalén en la Revelación 21:19-20.
En la oscuridad de la noche que se desvanece,
Revelación 21:23-25 ("La ciudad no necesita que el sol o la luna brillen sobre ella, porque la Gloria de Dios le da luz, y el cordero es su lámpara"). La noche en si misma se desvanece para siempre.
Como el río que se une al océano,
Revelación 22:1, el río de agua de vida. Probablemente esta también sea la inspiración para la canción "Firth Of Fifth" del álbum
Selling England By The Pound, la cual comienza con una alegoría al río de vida.
Mientras la semilla en una siembra crece
La simbología de plantar ("sembrar") semillas y cosechar es uno de los temas más fundamentales de la Biblia. Mateo 13:31 ("la parábola de la semilla de mostaza") y en 17:20. El último es donde Jesús habla acerca de la fe, la cual puede aplicarse aquí en el sentido de que si crees en él, tendrás vida eterna. Sin dudas alguna está mencionado en la Biblia.
Finalmente hemos sido liberados para volver a casa.
Liberados por supuesto del pecado, y de volver a casa a la Nueva Jerusalén.
Hay un ángel parado en el sol, y está gritando en voz alta,
Hay tantos ángeles gritando en voz alta en la Revelación que es difícil escoger a uno solamente, pero al que hace referencia aquí es el de la Revelación 21:3 donde una voz alta describe la Nueva Jerusalén. El ángel en la Revelación 11:15 podría también ser un candidato para el descripto aquí, el cual grita en voz alta: El séptimo ángel sonó su trompeta, y hubo fuertes voces en el cielo, que dijeron: "El reinado del mundo se ha convertido en el reinado de nuestro Señor y de su Cristo, y reinará por siempre y para siempre."
Para llevarlos a la nueva Jerusalén.
Finalmente, la Nueva Jerusalén (descripta en la Revelación 21) es el cumplimiento final de toda profecía. La humanidad es reunida por Dios luego de haber sido salvada del pecado. Aquí culminan las letras de la canción, en conclusión, auqnue posee algunas referencias externas, casi por completo la canción está basada en el libro de las Revelaciones.


Una parte esencial de los concieros de Genesis durante la era de Peter Gabriel, eran las historias que contaba entre las canciones; "Supper's ready" también tiene su propia historia. Esta es la que se contó en el Teatro Rainbow el 20 de Octubre de 1973 (como aparece en el álbum "Archives 1969-1974"):
"El viejo Henry pasó por la tienda de mascotas, la cual nunca estaba abierta, entró en el parque, el cual nunca estaba cerrado, el parque estaba lleno de un césped muy suave, limpio y verde. Entonces Henry se sacó la ropa y comenzó a frotar su piel en el mojado, limpio, y verde césped. El mismo se acompañaba con una tonada - era algo así... (Collins toca el hi-hat mientras Gabriel silba la tonada)
Debajo del suelo, las cosas sucias y marrones llamadas gusanos interpretaban todo como si fuera lluvia. La lluvia en el mundo de los gusanos significa dos cosas: encuentros y hora del baño. Ambas experiencias eran muy bienvenidas en la colonia de los gusanos. En segundos, toda la superficie del parque era una masa de sucios, marrones, y desagradables gusanos. Etsba muy complacido, el viejo Michael, y comenzó a silbar una tonada, esta vez para acompañarse él mismo...Tal vez para nosotros sea la marcha de Jersualem, pero para las aves significa que la cena está lista."
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La tonada que Gabriel silba es una versión muy cortada del himno tradicional de Jerusalén.
Emerson, Lake and Palmer tienen su interpretación del himno en su álbum "Brain Salad Surgery". Durante la era de Phil Collins, utilizaba una historia diferente, siendo de alguna forma una introducción más engañosa:
"Ahora esta historia particular trata acerca de Romeo y Julieta. Ah si... amigos de la audiencia. Bueno, Romeo, Romeo, esa noche, siendo viernes, se sentía muy, muy cachondo. Y entonces decidió telefonear a su joven dama, Julieta, quien tenía 16 años de edad y estaba lo suficientemente cachondo, como para invitarla a salir con él en su coche. Bueno, por supuesto, Julieta no tenía más alternativa que aceptar la invitación, y luego de una hora, estaban en la parte de atrás de su coche.
Bueno, Romeo era un tanto principiante y la primera media hora la pasó sin decir una palabra, pero muy lentamente y de forma muy seductora le quitó algo de su ropa. Y luego le quitó los pantalones. De cualquier forma, cuando ella estuvo completamente desnuda, Romeo muy exitado se quitó su camisa, y sus pantalones. Tenía que hacer esto él mismo porque Julieta estaba atada al volante. De paso... yo no sabía que había tanta gente que ataran sus novias en los volantes. Bueno, Romeo estaba a punto de acercarse a Julieta de esta forma, ¿o era de esta forma? No, era definitivamente así. Pero afortunadamente para Julieta, desde su postura junto al volante, notó el reloj en el tablero.¡Romeo! ¡Romeo! Desátame, debo irme a casa. Ahora esperen, esperen. Romeo estaba muy excitado, verán, porque no lo ha hecho por semanas. Y le dijo, Julieta, no puedes dejarme así. Y ella le dijo, debo, debo, tengo mucha hambre, y, y, y, y, y... la cena está lista".
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Las referencias a Romeo y Julieta están puestas para crear confusión intencionalmente, ya que ellos son los protagonistas de la canción "The Cinema Show".

Genesis - Supper's Ready (Parte 1)